Small Things Like These

 

¿Cuál es la decisión correcta? ¿Cómo queremos vivir nuestra vida? Es la cuestión que se plantea Bill Furlong en esta cinta, basada en hechos reales, ambientada en una pequeña comunidad de Irlanda en los años ochenta del siglo pasado. 

Small Things Like These, adaptación al cine de la novela de Claire Keegan, magistralmente interpretada por Cillian Murphy (Bill Furlong) y por Enma Watson (Hermana Mary), escenifica la vida en un pequeño pueblo donde la normalidad convive con el desasosiego aceptado y silente que producen las "Lavanderías de la Magdalena", centros de recogida de mujeres jóvenes repudiadas por sus familias o madres solteras sin posibilidades de salir adelante. Estos centros, controlados por la iglesia católica, existieron en Irlanda desde 1920 hasta los años noventa y fueron objeto de críticas por las duras condiciones que imponían a las acogidas y denuncias de tráfico de niños hacia familias pudientes (centros similares existieron mucho antes en Granada con las Recogidas, desde el siglo XVI, con el nombre de Beaterio de Santa María Egipcíaca).

El propio Bill, hijo de madre soltera, acogido por una familia con posibilidades económicas durante su niñez, sigue en su adultez, casado y padre de cinco hijas, asistiendo al mismo panorama cuando encuentra a una recluida que quiere escapar. Bill tendrá que tomar su propia decisión, 

Es una decisión de valentía o aceptación, de sumirse en la cobardía generalizada. Pero Bill sabe que sobre todo, uno convive primero consigo mismo, y después con el resto. Todavía más cuando la historia propia le ha hecho espectador de vivencias que ahora otros representan frente a él. 

13 días, 13 noches

Aquí llega una superproducción político-bélica que nos recuerda que la capacidad de hacer este gran cine no está sólo al alcance del país de las barras y las estrellas. 

El director Martin Bouboulon y el actor también francés Roschdy Zem consiguen hacer de esta cinta un testimonio gráfico palpitante de la tensión producto del abandono sin planificación por Estados Unidos de Afganistán, en este caso centrado en la evacuación de la misión francesa, la última en dejar el país que ocuparán los talibanes, en el poder en agosto de 2021. 

Es una cinta de tensión más que de acción, sin faltarle esta última, y ello contribuye a su diferenciación con otras películas menores de guerra. La película engancha de principio a fin. Basada en la novela testimonial del comandante de la policía nacional francesa y responsable de la seguridad de la embajada en Kabul Mohamed Bida, éste se convierte en el centro de la película por su ejercicio como héroe contemporáneo, por su elección entre las órdenes recibidas y el deber moral y su experiencia. Al final, cada persona convive más tiempo con la propia conciencia que con ninguna otra persona en la vida. 

La película plantea debates sobre justicia, la solidaridad o el abandono, y a ellos no son ajenos las interpretaciones de la traductora (la franco-argelina Lyna Khoudri), hay que comprender la valentía de una mujer mediando entre talibanes y un francés, con los ojos bajados; o de la periodista (la danesa Sidse Babett Knudsen), que se debate entre la retransmisión fiel de lo que ve y la protección de los que ayuda a huir. La película fuerza las costuras de la condición humana como suele suceder en las guerras. De nuestro comportamiento en ellas (más que desde el sillón) emerge nuestra auténtica forma de ser humanos.  Somos porque hacemos.

Anora

 

El cine independiente ha demostrado, una vez más, que no necesita de presupuestos millonarios ni grandes campañas publicitarias para trascender. "Anora", galardonada con cinco premios Oscar, emerge como un testimonio de la fuerza del cine cuando se apoya en una narrativa sólida, personajes tridimensionales y una ejecución cinematográfica impecable. Sin embargo, no deja de sorprender que una propuesta de este tipo haya sido tan ampliamente reconocida por la Academia, lo que ha generado debates sobre si su éxito responde más a una estrategia de la industria que a su mérito artístico intrínseco.

La premisa, en apariencia sencilla, se inscribe en una tradición narrativa clásica: la transformación de una mujer en un entorno hostil, evocando el mito de Cenicienta. Sin embargo, la película desafía las expectativas al abordar el tema con una mirada moderna, anclada en la realidad social actual y desprovista de romanticismos ingenuos. La estructura tripartita del filme, claramente diferenciada en planteamiento, nudo y desenlace, permite una evolución progresiva y matizada de los personajes. En la primera parte, se nos sumerge en el mundo de las trabajadoras sexuales y los estigmas que las rodean, un retrato crudo pero nunca explotador. Luego, la narrativa da un giro inesperado al introducir elementos de comedia, un recurso que, lejos de trivializar el drama, aporta una dimensión más humana y accesible a los conflictos. Sin embargo, puede pensarse que este cambio tonal resulta algo abrupto y resta cohesión al desarrollo narrativo. Finalmente, el desenlace se aleja del cuento de hadas tradicional para ofrecernos un final agridulce, donde la protagonista, tras el desencanto, encuentra un atisbo de empatía y una renovada conciencia de su realidad, aunque algunos espectadores han manifestado que la conclusión carece de la contundencia emocional que prometía el planteamiento inicial.

El director maneja con destreza los cambios de tono, evitando la estridencia y logrando una película que transita entre el drama, la comedia y el romance con una fluidez que rara vez se ve en el cine contemporáneo. La química entre los protagonistas es tangible, con interpretaciones que trascienden los arquetipos para convertirse en personajes palpables y complejos. Destaca, en particular, la dinámica entre el joven adinerado y la trabajadora sexual, un juego de poder y vulnerabilidad que desafía convenciones y expectativas, aunque algunos han argumentado que la evolución de los personajes, especialmente la del protagonista masculino, resulta predecible y poco arriesgada.

El cónclave

 

La elección de nuevos papas en la Iglesia Católica es posiblemente uno de los procesos más secretistas y arcanos que se mantiene a lo largo de los siglos. Tiene lugar en la Capilla Sixtina, bajo las pinturas religiosas de Miguel Ángel, y se supone que Dios, a través del Espíritu Santo, inspira el voto a través de los cardenales, y el resultado se comunica al mundo a través de la “fumata blanca”. 

La película “El cónclave” analiza la elección papal en una clave más mundana: las luchas por el poder no están ausentes en la institución eclesiástica, ya que no en vano se autodenomina “la obra de Dios en  tierra habitada por humanos”.

La trama de “El cónclave” parte de la muerte de un papa y un proceso de elección en el siglo actual, marcado por el cambio acelerado que afecta a todas las estructuras sociales, donde la percepción sobre la Iglesia Católica está impactada por la dificultad de dar respuestas efectivas a cuestiones como la política internacional, la desigualdad, el papel de la mujer, el divorcio o la modernización de sus estructuras de gestión. En este marco, la Iglesia Católica mantiene  prácticas y tradiciones que muchos consideran anacrónicas, pero que, precisamente por ello, suponen un anclaje profundo en el pensamiento de millones de personas, y también de atracción en nuevos países con falta de referentes.

La película representa bien las distintas caras del poder que hoy reconocemos en la sociedad civil: el conservadurismo y la vuelta a la tradición ante el vértigo del cambio; el progresismo y apertura a los nuevos vientos sociales; la corrupción en la compra de afectos; el papel creciente de los países más atrasados donde el número de adhesiones crece más que en los países históricamente católicos. 

Las vidas de Sing Sing

Sing Sing es un centro penitenciario de alta seguridad en Estados Unidos. La reclusión penal como metáfora de la exclusión impregna la vida entre las paredes de una cárcel, que encierra el cuerpo y menos reconocidamente, el alma. Cuando el sistema libera el cuerpo, pero no consigue liberar el alma, solo conseguimos libertad condicional. 

¿Qué vida es posible en una cárcel? El continuo recuerdo de la vida pasada, el desgarro de los errores cometidos, el sufrimiento de la pena impuesta, y de la redención a través del alma. El cuerpo puede que retorne a la libertad, pero ¿dónde ha quedado el alma?

La vida en el interior de la cárcel, la monotonía de la rutina, si solo busca la redención a través de la pena, despedaza las intenciones de redención, o las mata antes de que emerjan. 

Los programas de reinserción desde el interior de la cárcel son más efectivos cuando se rompen las fronteras del alma, del comportamiento profundo que lleva a los que delinquen a las cárceles con barrotes de hierro, alambradas y guardias armados. Nuestra alma es la cárcel más profunda, o nuestra libertad más ansiada. 

La redención del alma a través de un programa de redención a través del teatro (programa RTA, Redention Through Arts) es una innovación penitenciaria. Los ejercicios de introspección y de expresión artística son la inspiración, la retención y la expulsión del aire contaminado que impregna el alma encarcelada.

Cuado cae el otoño

 

Una obra maestra más del cine francés sobre una historia muy humana. Todos tenemos nuestro pasado y cuando lo contamos es probable que quien nos escuche piense en el suyo propio. Pasados con aciertos y errores, a fin de cuentas, elecciones de vida, que vamos superando con la ayuda, o a veces no, de quienes nos rodean. 

"Cuando cae el otoño" es la historia de dos jubiladas en un pequeño pueblo de la Borgoña francesa, al cual se retiran tras haber vivido y trabajando en París como prostitutas. Cómo afrontan la vida en lo que les queda, cómo sus descendientes y amigos afrontan la suya sin poderse desprender del todo del pasado para vivir una vida propia.

Porque aunque la película tiene un guión por el que ha sido premiado en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, el trasfondo de la misma no está en la resolución del caso con la tensión narrativa de la película, lenta y evocadora, con escenas de intimidad, en un pequeño pueblo francés en mitad de la campiña otoñal. La trama se desarrolla por diseño del director a través de elipsis, medias frases y escenas que crean equívocos sobre la verdad de lo que transcurre en la historia. Este "desarrollo abierto" es una atractiva forma de implicar al espectador, y cada uno interpreta donde está (o si debe existir) la culpa. No hay mayor riqueza que el desacuerdo de puntos de vista. 

Los juicios morales que hacemos de las personas son el cordón umbilical del trasfondo de la película. Un juicio implica decir o pensar sobre otra persona en lo que te gusta o no, lo que está bien o no, de acuerdo con un canon moral (la justicia es sobre todo un juego de reglas morales transformado en leyes, con un sistema de garantías y procedimientos). El amor es lo contrario: es aceptación por encima del juicio.

Jurado número 2

¿Podemos vivir con una verdad que nos atenaza de por vida?

Es el trasfondo de esta nueva estupenda película de Clint Eastwood, todo rezuma soledad interior en el protagonista, un joven que se ve involucrado en un accidente fortuito que causa la muerte a una persona y por la cual se juzga a otra al que todas las evidencias iniciales señalan como culpable. 

El protagonista, ex adicto al alcohol que rehace su vida y que acaricia la felicidad familiar y se siente querido socialmente, siente que su vida se quiebra porque puede perderlo todo si la verdad se conoce. 

¿Puede alguien imaginar una vida donde alguien sabe que una persona murió por su causa, aunque sea fortuita, y otra persona es condenada a cadena perpetua sin ser culpable? Donde ese terrible secreto te acompañará toda tu vida, donde si alguien lo sabe, es posible que tampoco quiera desenmascararlo.

La película "El jurado número 2" es un eco de la mítica cinta “12 hombres sin piedad” (1957), y en esta ocasión Eastwood vuelve a recordar, a través del miembro del jurado que duda de la casi unánime sentencia del tribunal popular, las palabras de Henry Fonda: “estamos hablando de condenar a un hombre, al menos deberíamos hablar de ello un poco más antes de votar”. 

La película "El jurado número 2" va incluso más allá de una reescenificación de la película previa, y plantea una compleja psicología llena de dilemas morales tradicionales y también modernos. Por ejemplo, el conflicto de intereses de la fiscal, la aceptación de insuficiente aportación de pruebas en la construcción del caso, la supuesta veleidad de los jurados populares para examinar casos con suficiente profundidad, la debilidad en ocasiones de los abogados de oficio. 

Sobre todo hay uno que resalta en mi opinión: la tendencia humana a opinar usando el sesgo de confirmación, nuestra inclinación a juzgar rápidamente algo donde todas las evidencias que se aportan apuntan en una misma línea. Por eso es necesario pensar antes: ¿estamos dudando lo suficiente de lo que nos cuentan como para estar convenidos personalmente de que ocurrió de esa forma? 

Back to black

Es imprescindible adentrarse en la vida y obra de Amy Winehouse (1983-2011), referente de la música del siglo XXI. Nos encontramos ante otra biografía de un icono cultural cuyo legado ha dejado una profunda huella en el mundo de la música. Otra más con un final dramático.

Amy Winehouse, proveniente de una familia judía trabajadora, mostraba desde la adolescencia problemas con el alcohol y se rodeaba de personas con adicciones. Amy era una persona vulnerable, cuyo principal y único factor de protección parecía ser su abuela, la única que la entendía completamente. Curiosamente, siendo de una familia judía y trabajadora, Amy se relacionó con personajes de una esfera social diferente. Esta relación no se comprende del todo en el contexto de su vida.

El papel del padre en la vida de Amy es ambiguo. Parece que no la apoyó lo suficiente y que, ante los trastornos mentales de su hija, como el TCA (trastorno de la conducta alimentaria) y sus adicciones, ambos padres miraron hacia otro lado. ¿Podemos culparles? Esta es una reacción común entre los padres que no saben cómo enfrentar estas situaciones. En contraste, la abuela detectó el problema desde el principio. La película parece estar contada desde la perspectiva de la familia, quizás desde el punto de vista del padre, lo que deja a la madre en un segundo plano. Esto plantea la cuestión de si la biografía es completamente imparcial.

Hispanoamérica

 

¿Latinoamérica o Hispanoamérica? Podría ser la pregunta en tono tímido de un español cuando se dirige a un nacido en cualquier país de Centroamérica o del llamado Cono Sur. 

Nótese que en el orden de la pregunta ya hay implícito un sentimiento de secundariedad, como si fuera más lógico el origen latino del término que el hispano. 

Y si bien es cierto que lo hispano pudo ser previamente de origen latino, no lo es menos que la vertebración hispana no existía en la época latina o de dominación romana. España fue tierra de paso de muchos pueblos: fenicios, cartagineses, romanos, godos y musulmanes, entre otros grupos menores, hasta que se asentó el concepto hispano-español como consecuencia de la unificación de los reinos de Castilla y Aragón y la expulsión de los musulmanes. La antigua provincia romana Hispania, distinta de Lusitania, se convierte en España partiendo del germen dejado por los Reyes Católicos y sus sucesores. 

Por ello, la película documental "Hispanoamérica" es toda una lección histórica de la importancia del legado y la acción de los españoles durante los tres siglos que duró el imperio español en las denominadas provincias de América. Como se explica, hay poco legado latino, francés o italiano, en la cultura de esos tres siglos. Y por supuesto, no hay nada anglosajón, inglés o estadounidense, salvo a partir de la guerra la independencia de los Estados Unidos, en la recuperación de los territorios de California, Florida, Luisiana, en su momento descubiertos por españoles, después parcialmente propiedad de México y finalmente incorporados a Estados Unidos. 

Pequeñas cartas indiscretas

 

La buena y la mala. Dos personajes que van mutando a lo largo de esta pequeña historia en la costa de Littlehampton, en el sur de la Inglaterra post victoriana de 1920. 

Una tragicomedia con tintes de medio thriller es lo que vemos en Pequeñas cartas indiscretas, una lograda producción anglo francesa de la directora irlandesa Thea Sharrock con Olivia Colman (Edith Swan) y la Jessie Buckley (Rose Gooding) en los papeles centrales. 

La película recrea una poco creíble, pero divertida historia de unas cartas anónimas, soeces e insultantes, dirigidas hacia la hija solterona de un matrimonio que ya perdió nueve de sus diez hijos. El padre, un padre tirano costumbrista a la antigua usanza, conservador hasta el extremo, desprovisto de cualquier muestra de afecto y cariño. La madre, una sufridora en vida anónima en la relación familiar. Las cartas, una página en cada ocasión llena de improperios e insultos, acaban llegando a cada vez más personas del pueblo, alterando la concordia del ambiente de la comunidad. 

El escándalo crece hasta llegar a los noticieros de nivel casi nacional y los juicios previos se centran precisamente en los prejuicios. Aquella persona distinta, que se comporta de forma diferente, ha de ser la culpable. Y la sociedad, en general, condena a los que viven fuera de las convenciones.