Back to black

Es imprescindible adentrarse en la vida y obra de Amy Winehouse (1983-2011), referente de la música del siglo XXI. Nos encontramos ante otra biografía de un icono cultural cuyo legado ha dejado una profunda huella en el mundo de la música. Otra más con un final dramático.

Amy Winehouse, proveniente de una familia judía trabajadora, mostraba desde la adolescencia problemas con el alcohol y se rodeaba de personas con adicciones. Amy era una persona vulnerable, cuyo principal y único factor de protección parecía ser su abuela, la única que la entendía completamente. Curiosamente, siendo de una familia judía y trabajadora, Amy se relacionó con personajes de una esfera social diferente. Esta relación no se comprende del todo en el contexto de su vida.

El papel del padre en la vida de Amy es ambiguo. Parece que no la apoyó lo suficiente y que, ante los trastornos mentales de su hija, como el TCA (trastorno de la conducta alimentaria) y sus adicciones, ambos padres miraron hacia otro lado. ¿Podemos culparles? Esta es una reacción común entre los padres que no saben cómo enfrentar estas situaciones. En contraste, la abuela detectó el problema desde el principio. La película parece estar contada desde la perspectiva de la familia, quizás desde el punto de vista del padre, lo que deja a la madre en un segundo plano. Esto plantea la cuestión de si la biografía es completamente imparcial.

Anatomía de una caída

"Anatomía de una caída" ("Anatomie d´une chute"), es un thriller psicológico en torno a una muerte violenta, desenlace de una relación de una pareja con un hijo, el punto de no retorno. 

¿Cómo llegaron hasta aquí, qué pasó, y qué vida queda por delante?

Con guion de la también directora Justine Triet, la interpretación de Sandra Huller en el papel principal, "Anatomía de una caída" se ha presentado con las credenciales de una película de culto para cinéfilos y con varios galardones además de los puestos de cabeza de los dramas en pantalla de 2023. 

Si se ha leído "Anatomía de un instante" del escritor Javier Cercas, sobre la anatomía del momento histórico que fue la toma del congreso de los disputados español en 1982 por el coronel Tejero, Anatomía de una caída es una disección de una relación de pareja que termina en tragedia. Como muchas de las que hoy suceden y que inundan los medios de comunicación. Sin restarle mérito al interés de la película, muchos espectadores agradeceríamos también películas sobre anatomías de momentos históricos con la calidad que la directora lleva "Anatomía de un instante" a escena. 

Una vida no tan simple

"Una vida no tan simple", del director navarro Félix Viscarret, me resulta un afortunado título para una película que algún amigo me relató como una historia donde "no pasa nada fuera de la vida mundana y normal de miles de personas."

Y, sin embargo, puede que esté ahí el trasfondo del mensaje de "Una vida no tan simple". La de cada uno es nuestra complejidad, y en cualquier caso, con frecuencia la percibimos de forma distinta al espectador externo "porque se trata de nuestra vida y de nuestros problemas". Visto desde fuera se puede pensar otra cosa. 

"Una vida no tan simple" es una metáfora sobre la adaptación al cambio narrada a través de la vida de Isaías, un arquitecto frustrado de 40 años porque su vida profesional no ha ido por donde él esperaba cuando obtuvo un premio al talento joven al inicio de su carrera profesional. Isaías insiste en las mismas recetas de siempre, transmite esa sensación triunfalista y parece que con frecuencia ficticia de que "estamos hasta arriba de proyectos" en un mundo donde todo se sabe con facilidad. Como muchas otras profesiones, el mundo de la arquitectura tiene sus genios e iconos consagrados, y miles de arquitectos anónimos que saben que han de ir a remolque de los proyectos de otros. 

El protagonista cree que es más, se merece más de lo que obtiene. Pero no hace nada nuevo para cambiar su suerte. Es posible que sea una cualidad de las profesiones creativas, con alto componente individualista, donde el ego de la profesión dificulta más el autodiagnóstico personal. Es posible que en algunas carreras universitarias la definición de éxito se perciba como más binaria, y éxito o fracaso se encuentren como únicas opciones sin escala de grises.

 

El triunfo

 

Esperar sin esperanza es la gran condena a la que se enfrentan muchas personas encarceladas. Libertad privada por sus delitos, con muchos años por delante, mientras sigue la vida. Otras personas también están fuera,  viviendo el día a día, esperando que cambie la suerte, unos con más ahínco que otros, unos sin conseguirlo, otros sí. Y a veces, llegan las oportunidades, se alían con la suerte y cuando se aprovechan, decimos que hemos triunfado. 

Esta es la trama de la película "El triunfo", una comedia francesa del director Emmanuel Courcol, magistralmente interpretada por el expresivo actor Kad Merad, también actor principal en Bienvenidos al Norte. Etienne (Kad) es un actor fracasado en la vida que dirige un taller de teatro en un centro penitenciario en Francia. Con la colaboración de la directora, consigue que un grupo de presidiarios interprete la obra de Samuel Beckett, "Esperando a Gadot". Beckett es un dramaturgo que ha expresado en sus obras el absurdo en la vida, y la obra es la historia de dos personas que espera a alguien que nunca llega.

Courcol elige a una interpretación cómica y simpática del director del grupo de teatro y de los presos que conecta al espectador con los personajes, evitando juzgarles y concentrando la atención en la preparación del rodaje de la obra de teatro y en el éxito creciente que va alcanzando su puesta en escena.

"Ma Rainey´s Black Bottom" o "La madre del Blues"

En esta película volvemos a encontrar una historia de negros que rescata a Ma Rainey, considerada la "madre del Blues", en una lograda reivindicación de la lucha de los negros por su reconocimiento, sus orígenes y sus intentos de sobrevivir y triunfar en la competitiva sociedad norteamericana de los Estados Unidos previos a la crisis de 1929. 

En la época, la diferencia entre los estados del sur y del norte seguía estando presente sesenta años más tarde de la guerra de Secesión motivada en parte por formas distintas de entender la integración de la población negra norteamericana. En el norte, en Chicago, donde se desarrolla la acción, Ma Rainey, consolidada como cantante ya rica y reputada en el sur, y aunque también ya reconocida en el norte, ha de luchar contra las imposiciones de los productores de la Paramount Records que tratan de "encapsular" su música en los discos. Estamos en los albores de la industria discográfica, de la música masiva, y Ma Rainey es consciente de que su superlativa presencia en los escenarios será sustituida por su voz en discos de gramófono, los antecesores de los vinilos de los años 50.

"La madre del Blues" representa muchas historias, además de las personales dentro de su banda, pero para mí es sobre todo una historia sobre el ascenso social, el éxito y el mantenimiento de las raíces, por supuesto en el marco de reivindicación de la integración de los negros, cuestión que sigue aún hoy latente en Estados Unidos. Pero todo esto no se percibe si se ve la película sin más preparación, y por ello es bueno situarse en el contexto visualizando los más de treinta minutos posteriores a la proyección de Netflix donde actores, directores y promotores desgranan el marco temporal y los hechos. Por eso va más allá de ser sólo una película, es una obra donde el director pone el arte a disposición de un recuerdo, una memoria y una reivindicación aun viva. 

¿Quien fue Ma Rainey? El aclamado actor Denzel Washington afirma que ahora se la reconocerá, y el cine de Netflix recordará lo que Ma Rainey conseguía como "embajadora del blues" en los años 20. Debió ser un fenómeno a la luz de la riqueza que acumuló (se le estiman más de 2 millones de dólares en la época) aunque está menos contrastado su histrionismo al menos como el director lo representa en esta cinta, donde se mezcla una zona de cierta intrascendencia en el rodaje del disco durante buena parte, hasta que la acción se acelera en el último cuarto. Digamos que se masca la tragedia que se va gestando en la tensión subyacente de las escenas y de las conversaciones. No es una película alegre, es soterradamente violenta reflejo de las muchas tensiones subterráneas. 

Moneyball: rompiendo las reglas

"Moneyball: rompiendo las reglas" debería ser una obra de culto para las escuelas de negocios y para las empresas, aunque como película no triunfara en los Oscars de 2012 pese a tener seis nominaciones, entre ellas a la mejor película, mejor actor, mejor guión adaptado o mejor actor secundario entre otras. 

La película se basa en el libro "Moneyball" (2003) de Michael Lewis, que como periodista económico y escritor reputado de libros de negocios ha alumbrado joyas como "El póker del mentiroso" (1989), "The Big Short" (2015) o "Flash Boys" (2015). Por tanto, estamos ante una obra de alguien que sabe de lo que habla y que se lleva al cine con un guión adaptado de forma sublime por guionistas como Stan Chervin. El centro de la película es la persona y el personaje (Bill Beane) que interpreta un soberbio Brad Pitt, el general manager del equipo de beisbol Oakland Athletics (denominados los "A´s"). Brad Pitt es en mi opinión uno de los mejores actores de todos los tiempos y además en esta película es productor. 

"Moneyball: rompiendo las reglas" es una película que ilustra cómo romper paradigmas en el beisbol para evolucionar y sobrevivir sin ser el más fuerte. Y de cómo todos han de seguir esa senda si no quieren desaparecer. Es sobre todo la irrupción de la gestión de los datos (dando continuidad a las técnicas de Sabermetrics) de cara a profesionalizar las decisiones de contratación y retención de jugadores en base a sus métricas de juego. Billy Beane ayudado por su asistente (Paul de Podesta en la realidad, un recién licenciado de Yale, lo que hoy sería un científico de datos o "data scientist") transformaron el mundo de los ojeadores profesionales, basados en el olfato,  toda la vida en los estadios, o impresionados por el físico o el coste de los jugadores para hacer recomendaciones de contratación. Hoy es inconcebible un deporte donde no se analicen los datos individuales y del equipo usando técnicas de gestión de datos. 

¿Cómo se puede triunfar cuando no tienes el poder económico que tienen tus competidores? 

Sólo es posible haciendo las cosas de forma diferente, rompiendo las reglas que dominan el éxito en el juego, y ello sólo es posible innovando, probando y confiando en tus ideas. Con un presupuesto anual de $41 millones frente a los más de $130 millones, los A´s de Oakland sólo podían ganar detectando el valor oculto en jugadores desechados por los mejores ojeadores con su clásica metodología. Los A´s tuvieron un coste por victoria de algo más de $200.000 en 2002 frente a los $1,4 millones de los equipos con más presupuesto. Los A´s hicieron historia al ser el único equipo de la historia del béisbol que ganó 20 veces de forma consecutiva. Aprovecharon su ventana de oportunidad, aunque su innovación fue copiada en poco tiempo por los equipos como más presupuesto. 

Dolor y Gloria

El “Dolor y Gloria” de su vida lo expresa Almodóvar en esta película autobiográfica. Por supuesto es un extracto de lo que nos quiere contar y desde su perspectiva. Es un intento valiente, porque hay que atreverse a exponerse de esa forma. Lo hace desde la madurez de su edad, cuando se puede empezar a hacer balance de vida. También parece una película para reconciliarse con partes de su vida que no consigue cerrar del todo. Es el relato de una persona que se supo diferente desde el principio, en una España hostil para muchas personas. Es la historia de una persona que tuvo lo que nunca imaginó, pero que prefiere transmitir desde el dolor. Por eso parece que la película sea su propia catarsis, el relato de una persona atormentada.

La técnica de la película es la propia de un gran director, como sin duda lo es según la aclamación y los premios internacionales conseguidos, aunque su carácter controvertido no le otorga un veredicto unánime: hay mucho pro y anti Almodóvar. No deja a muchas personas insensibles y eso también tiene mérito. La mayoría pasamos por la vida dejando menos huella. La película se realiza con un bien ejecutado formato “flashback” que permite enlazar pasado y presente para contar la historia. Siempre luminoso, nunca en blanco y negro, reflejo de la fuerza de los momentos que Almodovar trata de transmitir en sus películas.

Norman

No es fácil encontrar películas que relaten la intimidad de la trama judía de relaciones y quizá es la primera impresión del espectador que visiona “Norman”. En esta tragicomedia aparentemente imposible el casi patético Norman, que al principio puede parecer como parte de un decorado más amplio, va ganando protagonismo hasta que al final se adueña de la trama convirtiéndose en el anónimo personaje que permite que todo termine bien.

Sólo al final, y tras un largo sorbo de reflexión, puedes apreciar la inmensidad del papel de un “fixer” (conseguidor de favores) cuyo modelo de negocio se basa en la generosidad sin casi importar las consecuencias. Nada más inesperado en la meca del dinero, Nueva York, y de ahí parte de lo increíble de esta trama.

El título original en inglés explica perfectamente la historia de Norman. “The moderate rise and the sharp fall of a New York fixer”. Norman se beneficia poco de su éxito, al menos para lo que entendemos habitualmente como tal, y sin embargo, paga muy caro al final su continua cadena de favores. En ese mundo las personas actúan siempre por un motivo y con un objetivo, y el dinero suele ser un importante factor en el mundo de los “fixers”, pero no parece ése ser el que mueve a Norman.

"Viaje a Sils María"

"Viaje a Sils Maria" es la historia de un triángulo continuado de egos de dos actrices y la asistente joven de la más veterana. Es una relación de amor y odio, de admiración y envidia entre ellas, solapando la realidad de sus vidas con la ficción de sus papeles actuales y pasados en una  misma obra de teatro que se representó hace 20 años y que ahora vuelve a representarse. Una obra de teatro que el Director de la película Olivier Assayas la encierra con magistral finura  en la trama de una película aparentemente larga pero con vocación de  hacerse corta.

El papel principal lo borda la veterana Juliette Binoche excelente en su papel de mujer actriz madura pero bella y con solera. Es un  continuo viaje de ida y vuelta a su papel de Sigrid en la obra de hace 20 años, como  amante asistente de la que será ahora  su nuevo papel de  Helena en la que deberá luchar  por su supervivencia personal, la de su empresa y la  relación de amor con su jovencísima asistente femenina. Un papel el de Helena que interpretará la actriz ahora madura no sin antes tener que vencer fuertes dudas y resistencia personales para aceptarlo por lo que significaba de reconocimiento del eclipse de su  juventud como  actriz y mujer.