Pequeñas cartas indiscretas

 

La buena y la mala. Dos personajes que van mutando a lo largo de esta pequeña historia en la costa de Littlehampton, en el sur de la Inglaterra post victoriana de 1920. 

Una tragicomedia con tintes de medio thriller es lo que vemos en Pequeñas cartas indiscretas, una lograda producción anglo francesa de la directora irlandesa Thea Sharrock con Olivia Colman (Edith Swan) y la Jessie Buckley (Rose Gooding) en los papeles centrales. 

La película recrea una poco creíble, pero divertida historia de unas cartas anónimas, soeces e insultantes, dirigidas hacia la hija solterona de un matrimonio que ya perdió nueve de sus diez hijos. El padre, un padre tirano costumbrista a la antigua usanza, conservador hasta el extremo, desprovisto de cualquier muestra de afecto y cariño. La madre, una sufridora en vida anónima en la relación familiar. Las cartas, una página en cada ocasión llena de improperios e insultos, acaban llegando a cada vez más personas del pueblo, alterando la concordia del ambiente de la comunidad. 

El escándalo crece hasta llegar a los noticieros de nivel casi nacional y los juicios previos se centran precisamente en los prejuicios. Aquella persona distinta, que se comporta de forma diferente, ha de ser la culpable. Y la sociedad, en general, condena a los que viven fuera de las convenciones. 

Belfast

 

“Belfast” es una representación tragicomédica de los enfrentamientos políticos entre católicos y protestantes en Irlanda del Norte en 1969, lo que se considera el comienzo oficial del conflicto político que hoy continúa. 

Los sucesos más violentos tuvieron lugar en verano de 1969, con intervención de las Fuerzas Armadas, no sólo de la policía británica, y marcan el comienzo de la actividad terrorista del IRA hasta su disposición de las armas en 2005.

“Belfast”, en blanco y negro, recuerda mucho a cintas como “La vida es bella”, la vida de los campos de concentración desde la mirada inocente de un niño a través del filtro positivista de su padre, y el salto de la cartelera recuerda a “Billy Elliot”, la historia de un niño salido de los barrios mineros de la Inglaterra de la época Thatcher. Porque “Belfast” es la película semi autobiográfica de su director y productor Kenneth Branagh, aclamado autor, director de cine y actor británico, desde la perspectiva de los que lo vivieron y se fueron, emigraron hacia una vida huyendo del enfrentamiento. Porque como se dice en la película, ésta es un homenaje a “los que se fueron, a los que se quedaron y a los que perdimos”. 

“Belfast” está relatada desde la mirada curiosa y optimista de un niño que crece en una familia que él ve como ideal, con sus problemas y tribulaciones, que cree en la convivencia entre protestantes y religiosos. “Se puede ser protestante y respetar a quienes no piensan o actúan como tales”. Es el mensaje de tolerancia y conciliación que transmite la película, frente al odio que los estrategas políticos del enfrentamiento tratan de inculcar en los más jóvenes. En el peligroso coctel de la política y la religión, los políticos con un fondo más nihilista han usado las creencias y la fe como arma de guerra para conseguir sus objetivos de dominación. 

Parásitos

"Parásitos" ha sido la sensación del cine de 2019 y es considerada por la crítica una de las mejores películas de la década. Es la primera película de habla no inglesa que gana el Oscar a la Mejor Película, además de los Oscar al Mejor Guión, Mejor Director y Mejor Película Extranjera. Ganó también la Palma de Oro del Festival de Cannes. Es ya sin duda, la película coreana más aclamada de la historia. 

Su director Bong Joon Ho elige realizar una sátira social sobre la enorme diferencia entre clases en Corea del Sur recreando en la gran pantalla la experiencia de un amigo que fue profesor de inglés de una familia de clase alta en Seúl. Joon Ho lleva al cine "Parásitos" para mostrar al espectador en esta trama imaginaria cómo las familias pobres que viven de los ricos, y también cómo estos últimos han hecho de su estilo de vida el depender de mano de obra barata que les sirva. 

La película tiene un desarrollo dividido en tres partes que se va acelerando hasta el clímax final, para volver al principio de la película, como si nada cambiase.

En la primera parte descubrimos una familia que sobrevive en la parte más baja de la sociedad, sin planes ni expectativas, viviendo el día a día, y cómo poco a poco cada miembro se va introduciendo como empleado de la familia rica con un plan tan disparatado como divertido en su ejecución. Es una primera ojeada a la diferencia entre clases, que en Asia se amplifica entre los que acceden a la universidad y los que no pueden o no lo consiguen, ya que el respeto social y las posibilidades de éxito  económico dependen en buena parte de ello. 

Les Misérables 2019

“Les Misérables 2019” es una moderna representación del conflicto que Victor Hugo recreó en su epónima novela en 1862. Entonces las monarquías absolutas se alternaban con los balbuceantes estados democráticos, pero aún hoy las desigualdades persisten y la injusticia perpetrada por instituciones del estado se entremezcla con los valores, altos o bajos, de las personas. La película se rueda en el mismo barrio que da vida a la obra de Victor Hugo, la comuna de Montfermeil, donde Cosette y Jean Valjean alumbran a los personajes centrales de la aclamada novela.

“Les Misérables 2019” está dirigida por Ladj Ly, un joven director francés que vivió los acontecimientos posteriores al Mundial de Futbol de 2018 de Rusia donde Francia se impuso a Croacia, y  que dan precedente a los sucesos de la película. Ly es un apasionado de las tecnologías de video y ello se nota en las tomas gráficas con dron del barrio, que dotan de realismo a la situación espacial de la acción durante el desarrollo de la película haciendo que el espectador se sumerja en un barrio que casi se nos antoja distópico. La película ha ganado entre otros galardones el Premio del Jurado del Festival de Cannes 2019 y es ya considerada la opera prima del director francés.

Ambas versiones de “Les Misérables 2019” debaten en momentos y grados distintos la misma cuestión: la injusticia de los oprimidos y si hay puertas abiertas a la esperanza.

La cinta se desarrolla en torno a una trama de intriga y acción donde la policía de investigación criminal francesa interfiere en la vida del barrio inmigrante de Montfermeil. Los caracteres de la policía reflejan actitudes de represión, prepotencia y superioridad de una parte, de aceptación por otra y finalmente, de sorpresa, indignación y rebelión ante los métodos empleados para reprimir a los oprimidos.

Green Book

La película, basada en hechos y personajes reales, se desarrolla en los años sesenta en Estados Unidos, en plena crisis de la segregación racial, cuando los hermanos Kennedy intentan combatirla con sus políticas. Incluso uno de ellos, Bobby (fiscal General del Estado entre 1961 y 1964), participa en la película por teléfono salvando a los protagonistas de la cárcel en una de sus peripecias.

Si bien el tema racial parecería ser a priori el centro de la trama, también lo es  la evolución de la relación entre los dos personajes, Don Shirley, negro músico talentoso, bien educado, reconocido y exitoso en el norte del país, quien por decisión propia decide realizar una gira de conciertos por los estados del sur; de otra parte Tony Lip, blanco perteneciente a la minoría italonorteamericana,  completamente integrado socialmente en ésta, hombre rudo y acostumbrado a resolver los problemas usando si es necesario la violencia, contratado como chófer del músico por la compañía discográfica para que le acompañe en la gira.

En el momento en que se inicia el viaje uno de los miembros de la casa discográfica obsequia a Tony Lip con una guia llamada Green Book, que da nombre al film, para que la utilice en el viaje. La guía, cuyo autor era otra persona de raza negra llamada Green, citaba los restaurantes, hoteles y establecimientos en los que podían entrar los negros.

Las largas horas pasadas a solas en el coche durante los trayectos dan mucho juego y permiten que ambos personajes se vayan conociendo,  intentando cambiar el uno al otro y haciendo que la confluencia de dos mundos tan diferentes genere situaciones dramáticas y divertidas muy bien desarrolladas que mantienen el interés sin pausa durante toda la película.

Es especialmente interesante observar la evolución de Don, que no se siente perteneciente a ninguna comunidad ni afín con nadie, pues es un talentoso músico, educado en una sociedad de blancos refinados, de los que copia modales y triunfa siguiendo sus reglas, pero de los que realmente no se siente parte, pero tampoco de sus minorías de color. En medio de una sociedad llena de prejuicios racistas y sociales, su homosexualidad recrudece su aislamiento y soledad. Tomar conciencia de quien es le desorienta completamente en algún momento de la película. Tony le recuerda que algunas veces con el talento sin coraje no es suficiente.

El hombre que mató a Don Quijote

Me voy a permitir una licencia ya que la película en cuestión se estrena en España este 1 de junio de 2018, fecha significada porque en el mismo día Pedro Sánchez se convierte en presidente del Gobierno de España por mor de la moción de censura constructiva que ha prosperado contra Mariano Rajoy, de suerte que podríamos decir que el primero mató políticamente al segundo. En cierto sentido, Don Quijote y Rajoy vivían en su propio mundo y se encontraron al final con una dura realidad que no comprendían o no previeron. 

"El hombre que mató a Don Quijote" es un bodrio cinematográfico que usa la sorna y la comicidad para recordarnos al singular personaje de la obra cumbre de Cervantes, ya de por sí cómico en sus desventuras. 

Hemos tenido suerte en esta ocasión, porque nos acompaña en la tertulia del cineforum Lucy Darwin, colaboradora del director de la película Terry Williams, y nos comenta de primera mano sobre los avatares de la producción original de esta película por el mismo director, cuya filmación comenzó en el año 2000, quedando frustrada por unas inundaciones donde se perdió el material original... La propia Lucy Darwin produjo el documental "Lost in La Mancha", que refleja las vicisitudes y dificultades que tuvo el rodaje de la película. Es lo único que quedó del intento de filmación en el intento original. 

Perfectos desconocidos

Esta película plantea dos relatos alternativos de cómo se desarrolla una cena entre amigos, cuatro hombres de edad madura de un equipo local de futbol y las parejas de tres de ellos, en dos escenarios. En el primero de dichos escenarios, al comienzo de la cena uno de las comensales propone compartir con todos los demás el contenido (llamadas, mensajes…) que surjan durante esa cena en los teléfonos móviles de todos; en el segundo escenario, dicha propuesta también se plantea, pero es descartada.

El primer escenario plantea las implicaciones de que cada una de las personas acceda a “desnudarse” durante esa noche frente a los demás, no en el aspecto físico pero sí en al menos una parte de su intimidad, de sus aristas más oscuras, lo que puede resultar bastante más incómodo y comprometedor como se puede ver a lo largo de la película. 

En el relato del primer escenario aparecen mensajes o llamadas en los teléfonos móviles de cada uno de los siete comensales, progresivamente mas incomodos, poniéndose de relieve intimidades de cada cual que eran completamente desconocidas para los demás… de ahí el título tan acertado de la película. Esas intimidades comprenden desde incomunicación en la pareja, infidelidades, relaciones conflictivas con hijos, con abuelos, temas de género… y al ser compartidas por los comensales también son valoradas ética y moralmente por ellos…y por los espectadores, claro. De hecho, alguien comentó cual podría ser esa valoración ante una audiencia más joven. Lo que acontece a lo largo de la cena, y especialmente cómo termina, puede verse más como un drama, a pesar de muchas anécdotas cómicas por el camino. También surgió algún episodio muy reconfortante, incluso emocionante para muchos, como la conversación entre padre e hija adolescente.

Algunas preguntas que surgen: ¿Queremos realmente conocer todas las intimidades de nuestras parejas? ¿Merece la pena?... ¿O es mejor confiar?

"Spotlight"

"Spotlight" es la película ganadora de los Oscar 2015.  Una cinta que llega al olimpo de los premios del cine tratando uno de los mayores escándalos en la Iglesia Católica en los últimos años. No hay duda de la capacidad y del valor de la cinematografía americana para abordar temas controvertidos. Lo que fue titular de prensa en 2002 ahora se convertirá en una historia completa a través de Spotlight. viralizandolo en la gran pantalla y e incrementando el alcance social del conocimiento de los hechos acontecidos.

De partida, es una película compleja.

Son entendibles las sensaciones que provoca el esclarecimiento de los hechos, partiendo de un rechazo general a las prácticas de abusos sexuales toleradas por la jerarquía de la Iglesia Católica en Boston. Y es que la Iglesia está formada a fin de cuentas por personas, con sus fortalezas y debilidades. Pero es demasiado fácil y gratuito caer en la crítica generalizada por los detractores de la institución eclesiástica, olvidando todo el sistema de valores, principios y acciones positivas que la Iglesia ha desarrollado históricamente y sigue desarrollando en todo el mundo.  Hay manzanas podridas en todos los sitios, incluso árboles, pero no podemos categorizar que todo el bosque está contaminado.