Sonido de libertad

 

En pocas ocasiones la polémica en torno a una película es tan elevada como en "Sonido de libertad" ("Sound of Freedom"). 

Las informaciones sobre el contexto de su rodaje, las dificultades para su distribución y la supuesta involucración de élites no interesadas en su divulgación añaden un contexto aún más dramático a esta valiente película que trata, con toda la delicadeza posible, pero sin quitar ni un ápice a su trágica esencia, sobre las redes de esclavitud sexual infantil en el siglo XXI.

Sobrecogedora. Impresionante. Al mismo tiempo y pese a todo, preciosa. 

El rapto de niños en Latinoamérica, y el tráfico, como si de animales se tratara, para su uso por pedófilos con dinero y digámoslo claro, sin alma (que cada uno defina alma como prefiera). La pedofilia no es algo nuevo en la Historia, pero seguramente sí la escala a la que hoy existe. Medios como internet y redes profesionalizadas de traficantes (raptores, intermediarios, usuarios de ... niños), la desigualdad enorme en el planeta, las enfermedades mentales modernas (entre ellas una soledad sin precedentes o la asocialidad a una escala desconocida) seguramente elevan la pedofilia hoy a niveles nunca vistos antes. 

"Sound of Freedom" es una de las películas más crudas que denuncian esta explotación inhumana y la trama se centra en el caso real del ex agente de la NSA de EEUU, Tim Ballard, en la búsqueda de dos niños hondureños capturados por la mafia pedófila. Las cifras criminales son espeluznantes, pero la película le pone cara y nombres a la historia y el espectador casi literalmente entra en la pantalla. 

Vidas pasadas

 

"Vidas pasadas" ("Past lives") es la ópera prima de la escritora y directora de cine coreana-canadiense Celine Song. 

El que sea una película autobiográfica (Celine nació en Seúl y emigró con su familia a Canadá desde donde luego se trasladó a Nueva York para perseguir, y alcanzar, su sueño como dramaturga), no quita un ápice de interés, ni de legitimidad, a esta buena cinta que puede verse desde distintos ángulos. El corazón emocionado, por la ternura de la historia. Y también desde la mirada observadora, por los profundos mensajes y reflexiones que suscita "Vidas pasadas". 

¿Cuál es el hilo conductor de "Vidas pasadas"? Detrás de una historia romántica de dos jóvenes con una conexión especial que se separan por azares de la vida en la niñez, el reencuentro que hacen posibles las nuevas tecnologías, la propia limitación de las mismas para posibilitar vidas plenas, el devenir de la vida y el reencuentro cauterizador tras la ausencia de tantas palabras que no se dijeron y tantas cosas que no se hicieron. 

Detrás del devenir de la vida está el destino o in-yun en coreano (reencarnación o vidas pasadas). En la película se plasma la conexión y atracción entre dos personas que no obstante tienen ambiciones distintas. Además del azar, son también sus elecciones las que determinan su destino, por mucho que ambas parecen haber nacido la una para la otra. La vida es un proceso de elección y adaptación continuo y esta tierna historia nos habla de la inadaptación que trasciende más allá de lo visible. Nora (Greta Lee) sigue siendo profundamente coreana y así se siente cuando habla con Hae Sung (Teo Yoo). Este nunca pudo olvidarla desde que se fue de Corea con 10 años. Ambos están prisioneros, de alguna forma, de sus vidas pasadas, pero el destino les lleva por caminos distintos. 

La puesta en escena de esta relación se plasma en tres momentos, en la niñez compartida en Seúl, en el reencuentro digital a través de Skype en la veintena, y en la visita de Hae Sung a Nueva York para verla físicamente por primera vez en más de 20 años y conocer al esposo de Nora.  La puesta en escena es casi mágica, por la actuación de los protagonistas y por los tempos y silencios, que quizá son característicos de la cultura oriental. Los silencios, las miradas y las imágenes son tan elocuentes que sobran las palabras para hablar. 

Las dos caras de la justicia

 

"Las dos caras de la justicia" ("Je verrais toujours vos visages" en el idioma original) es la nueva y aclamada película que tanto la crítica como el público francés están saludando como una de las cintas más salientes del reciente cine francés. 

El tema central es sumamente atractivo y trascendente en la sociedad actual: la llamada justicia restaurativa, una forma de actuación extrajudicial que busca, en lo posible, una mayor comprensión entre víctimas y delincuentes, conocedores de los límites, y en muchos casos el fracaso, del sistema penal tradicional (medido como reinserción efectiva de los perpetradores). Además, el sistema penal no aborda un tema capital: la reparación y la superación del trauma de las víctimas, que en muchos casos no se cura por la pena del detenido, incluyendo la propia sanción económica, si procede, o el paso del tiempo. 

La justicia restaurativa es, por tanto, un paso en el desarrollo de una sociedad más madura más allá del "ojo por ojo, diente por diente".

La película está bien dirigida y guionada bajo la batuta de Jeanne Herry y cuenta con varios de los mejores actores del momento cinematográfico francés. 

Una vida no tan simple

"Una vida no tan simple", del director navarro Félix Viscarret, me resulta un afortunado título para una película que algún amigo me relató como una historia donde "no pasa nada fuera de la vida mundana y normal de miles de personas."

Y, sin embargo, puede que esté ahí el trasfondo del mensaje de "Una vida no tan simple". La de cada uno es nuestra complejidad, y en cualquier caso, con frecuencia la percibimos de forma distinta al espectador externo "porque se trata de nuestra vida y de nuestros problemas". Visto desde fuera se puede pensar otra cosa. 

"Una vida no tan simple" es una metáfora sobre la adaptación al cambio narrada a través de la vida de Isaías, un arquitecto frustrado de 40 años porque su vida profesional no ha ido por donde él esperaba cuando obtuvo un premio al talento joven al inicio de su carrera profesional. Isaías insiste en las mismas recetas de siempre, transmite esa sensación triunfalista y parece que con frecuencia ficticia de que "estamos hasta arriba de proyectos" en un mundo donde todo se sabe con facilidad. Como muchas otras profesiones, el mundo de la arquitectura tiene sus genios e iconos consagrados, y miles de arquitectos anónimos que saben que han de ir a remolque de los proyectos de otros. 

El protagonista cree que es más, se merece más de lo que obtiene. Pero no hace nada nuevo para cambiar su suerte. Es posible que sea una cualidad de las profesiones creativas, con alto componente individualista, donde el ego de la profesión dificulta más el autodiagnóstico personal. Es posible que en algunas carreras universitarias la definición de éxito se perciba como más binaria, y éxito o fracaso se encuentren como únicas opciones sin escala de grises.

 

Secaderos

"Secaderos" es la opera prima, la primera obra cinematográfica de la directora de cine Rocío Mesa. Como dato relevante, Rocío nació y creció en la vega granadina (Las Gabias) y marchó a través de una beca de estudios a Los Ángeles, donde hoy reside. Como ella dice, viene de una familia obrera sin grandes posibles económicos. "Secaderos", aunque no es una película autobiográfica, sí contiene muchos de sus sentimientos de juventud. Con esta película nos acerca a la vida, temores y esperanzas de los habitantes de la rural vega de Granada, que ven como su modelo de vida cambia para siempre. 

Muchos no sabrán que en los años 50 del siglo pasado el cultivo del tabaco negro, variedad Burley, era una de las más rentables ocupaciones de los minifundistas agricultores granadinos y que la vega reúne magníficas condiciones de clima y suelo para el tabaco, que normalmente se recoge a final de verano, cortando las matas que crecen verticales en el suelo, para colgarlas en naves aireadas con paredes de madera flotante o de ladrillo con muchos huecos. Una vez secado el tabaco colgado antes del invierno, se comprime y embala para su procesamiento y posterior conversión en cigarrillos. 

Las campañas antitabaco, la competencia de países agrícolas con menores costes, y la desaparición del tabaco negro han dejado a la vega granadina sin uno de sus cultivos más rentables, que además era fundamental para cientos de productores pequeños, y fuente de trabajo para miles de obreros del campo. Además, el trabajo es duro y desagradable, muy manual y sucio, sobre todo en calurosa época de la recolección y colgado del tabaco.

El hombre que conocía el infinito

 

"El hombre que conocía el infinito" es la historia del matemático indio Srinivasa Ramanujan (1887-1920), un matemático autodidacta, sin apenas formación académica, que revolucionó el honorable Trinity College de principios del siglo XX  cuando Inglaterra dominaba el mundo bajo el Imperio Británico.  

El Trinity College de Cambridge era entonces una de las instituciones más prestigiosas del saber matemático y acogió a prestigiosos talentos como GH Hardy, Littlewood o Bretrand Rusell.

El genio matemático natural de Ramanujan se expresa desde su niñez y uno de sus principales conflictos con su mentor Hardy fue precisamente la lucha entre la intuición matemática del indio y el rigor demostrativo del método de validación de las teorías que exigía la estricta disciplina de la comunidad matemática de británicos. GH Hardy en particular fue un investigador exigente dentro de las matemáticas puras y uno de los principales aportadores a la "teoría de números", en trabajos en solitario, con Littlewood o con Ramanujan. 

"El hombre que conocía el infinito" es una película profundamente hermosa y un testimonio gráfico que nos acerca a la breve y prolífica vida del matemático indio y a las dificultades de encaje de culturas tan distintas como la india y la británica, que tan bien esta última ha sido capaz de gestionar, manteniendo buenas relaciones con la Commonwealth, pese a la histórica expoliación que los británicos han realizado en estos territorios remotos. Es también prueba del aprecio que estos países, ahora ya potencias en el mundo en muchos casos (India, Canadá, Australia, República de Sudáfrica, entre otros), retienen por el valor aportado por la cultura británica en sus territorios. 

Una bonita mañana

 

"Una bonita mañana", un título luminoso para una película sobre una historia mundana, de personas normales en situaciones normales. Intrascendente porque no será recordada sino por la sensación de calma y sensibilidad mientras se visiona.

Sin embargo, la historia tiene poderosos mensajes que forman parte del día a día de muchas personas. ¿Cómo afrontar una viudedad en la flor de la vida? ¿Cómo prepararse para la pérdida de un ser querido? ¿Es el matrimonio para toda la vida, para una larga y cambiante vida? ¿Cómo irse de la vida sin ni siquiera despedirse, ni notarlo, sin darte cuenta de que se está perdiendo la propia identidad, lo que fuimos? 

Es posible que todas estas reflexiones no surjan si no hay una pugna de discusión sobre esta película. Y por ello no será una película recordada, pero sí es valiosa si se mira con los ojos apropiados. Es una historia de aceptación de la vida.

Sandra, la joven viuda con una hija de ocho años, es el epicentro de la historia. Su padre, antiguo profesor de filosofía, sufre un tipo de enfermedad neurodegenerativa (se dice que serán las más comunes ante la ampliación de la esperanza de vida que estamos experimentando, porque nuestro "cableado mental" no está diseñado para soportar tanto tiempo de vida), es parte del contexto de Sandra. Y Clement, antiguo amigo de Sandra, casado, que irrumpe en su vida aportando luz y sombra.

Un aspecto interesante es cómo heredamos lo que fue de nuestros padres. Todo el mundo piensa en dinero, piso o acciones. ¿Pero qué sucede con los bienes que fueron parte íntima de su vida, como por ejemplo los libros? ¿Cómo te desprendes de libros que fueron amados por tu padre o madre que se fue o se va a ir? 

La historia de "Una mañana bonita" está contada de forma casi feliz dentro de la dureza de la vida de Sandra, que la actriz Léa Seydoux interpreta con una expresiva melancolía y dolor contenido. Hay una cadencia suave en todos los comportamientos, expresiones tranquilas, dentro del dramatismo de la situación. Se podría pensar que es irreal, ¿pero no puede afrontarse también así?

The quiet girl

 

Según la crítica, "The quiet girl" es una película a la medida de Catherine Clinch (Cait en la película), la actriz que a sus 13 años da vida a la protagonista del título y de la película. ¿Sería la película distinta sin Catherine Clinch?

Cait es una niña tímida, perceptiva e invisible dentro de su familia y en la escuela en la Irlanda rural de 1981. Su timidez natural y la incapacidad de sus padres para atender a su numerosa progenie son el epicentro de esta historia, y de ahí al despliegue de Cait de crisálida a mariposa cuando tiene que pasar unas vacaciones de verano con una familia lejana. 

Durante muchos minutos, no sé si demasiados o necesarios para que la cinta transmita todo su mensaje al espectador, todo transcurre de forma lenta, quizá porque lentos e imperceptibles son a veces los cambios importantes. Los últimos quince minutos dan sentido y realce al resultado del cambio y al final, pero la vida sigue...

La Irlanda rural y católica, su cara bondadosa y su cara falsa son escenario de vidas de lucha por la supervivencia, con el centro en la familia y en las relaciones de cercanía que vertebran las comunidades rurales. 

As Bestas

 

Hay veces en que vamos al cine y elegimos una película casi por casualidad. Otras veces se hace con intención, porque hemos leído o escuchado la crítica, por el director o por los intérpretes. 

"As Bestas" (Las Bestias en gallego) pertenece al género de películas que hay que ir a ver, porque no es solo una obra de arte, sino que tiene un trasfondo real que apunta a muchos de los dramas que hoy vive el mundo rural. La película, dirigida por Rodrigo Sorogoyen y guionizada por él mismo e Isabel Peña, tiene todos los atributos para ser una película que hará historia. 

As Bestas tiene un fuerte simbolismo, crudo y descarnado, que impregna todo el desarrollo de la película, donde se intercalan silencios rellenados de imágenes y tomas sugerentes con diálogos llenos de compasión, amor y violencia, que escenifican el conflicto de la vida en una pequeña aldea gallega (aunque en realidad se trata de Barjas, en el Bierzo leonés, en el límite entre Castilla y León y Galicia) entre una pareja francesa y dos hermanos de la aldea, en torno a la venta de sus tierras a una compañía energética. 

La trama se basa en hechos reales acontecidos en 2010 en Santoalla, donde un holandés fue muerto por sus vecinos por esta razón, aunque poca gente lo recuerda, salvo quizá los vecinos. Sorogoyen tiene la perspicacia de rescatarlos de la hemeroteca en un momento de alta sensibilidad en el conflicto entre la España vaciada y sin perspectivas y esa otra España que crece en las ciudades de aluvión como Madrid o Barcelona. Hay muchos pequeños pueblos en España donde sólo los que viven allí saben lo que ha pasado.

No son pocas las veces que la falta de perspectivas de futuro, al propio aburrimiento y la incultura alimenten la parte más animal de los sentimientos humanos y ello lo retrata de forma magistral la interpretación de los hermanos aldeanos en "As Bestas". Este sentimiento se retrata muy bien en el libro "La España vacía" de Sergio del Molino. 

Amsterdam

 

Tras ver "Amsterdam" el espectador puede preguntarse si ha asistido a una obra de arte o un esperpento fallido de un director ambicioso en sus objetivos. 

Amsterdam es la trama ficticio-real de la historia tres amigos que se conocen en la Primera Guerra Mundial y que sellan un pacto de amistad por siempre, que vuelven a reencontrarse en Estados Unidos en los años treinta como principales sospechosos de una muerte en medio de un complot para instalar un gobierno autoritario en Estados Unidos, en los albores de la toma del poder por parte de Hitler y Mussolini. 

El reparto de Amsterdam es estelar, con protagonistas principales como Christian Bale (el esquizofrénico doctor Berendsen), Margot Robbie (Valerie, la excéntrica enfermera que no cuenta su pasado), John David Washington (el ex combatiente y abogado negro Harold), y papeles secundarios con intérpretes de la talla de Anya Taylor-Joy (la estrella de Gambito de Dama), Taylor Swift (en el papel de Liz Meekens), Rami Malek (el Freddy Mercury de Bohemian Rapsody) o Robert de Niro (en el papel del íntegro general veterano Smedie Butler en la película) entre otros. Sus interpretaciones no desmerecen en esta comedia surrealista con fondo histórico, pero se convierten en marionetas en la representación del director David O. Rusell.

Porque la forma en que Rusell ha elegido contar su historia raya en la psicodelia, seguramente porque quiere una obra de arte de puesta en escena en lugar de contar una historia plana de una conspiración.

Y si se juzga por los brochazos de su pintura, a fe que consigue algo parecido a arte abstracto, con brochazos bellos como las interpretaciones extremas de los personajes, los planos de toma de la cámara, los colores sepia del cine sin color pleno, la trepidante acción sin sentido para el espectador en una parte de la película. En suma, Rusell ha contado con la mejor materia prima posible para dejar su impronta, y las próximas nominaciones de Oscars dirá si lo consigue o no.