Una bonita mañana

 

"Una bonita mañana", un título luminoso para una película sobre una historia mundana, de personas normales en situaciones normales. Intrascendente porque no será recordada sino por la sensación de calma y sensibilidad mientras se visiona.

Sin embargo, la historia tiene poderosos mensajes que forman parte del día a día de muchas personas. ¿Cómo afrontar una viudedad en la flor de la vida? ¿Cómo prepararse para la pérdida de un ser querido? ¿Es el matrimonio para toda la vida, para una larga y cambiante vida? ¿Cómo irse de la vida sin ni siquiera despedirse, ni notarlo, sin darte cuenta de que se está perdiendo la propia identidad, lo que fuimos? 

Es posible que todas estas reflexiones no surjan si no hay una pugna de discusión sobre esta película. Y por ello no será una película recordada, pero sí es valiosa si se mira con los ojos apropiados. Es una historia de aceptación de la vida.

Sandra, la joven viuda con una hija de ocho años, es el epicentro de la historia. Su padre, antiguo profesor de filosofía, sufre un tipo de enfermedad neurodegenerativa (se dice que serán las más comunes ante la ampliación de la esperanza de vida que estamos experimentando, porque nuestro "cableado mental" no está diseñado para soportar tanto tiempo de vida), es parte del contexto de Sandra. Y Clement, antiguo amigo de Sandra, casado, que irrumpe en su vida aportando luz y sombra.

Un aspecto interesante es cómo heredamos lo que fue de nuestros padres. Todo el mundo piensa en dinero, piso o acciones. ¿Pero qué sucede con los bienes que fueron parte íntima de su vida, como por ejemplo los libros? ¿Cómo te desprendes de libros que fueron amados por tu padre o madre que se fue o se va a ir? 

La historia de "Una mañana bonita" está contada de forma casi feliz dentro de la dureza de la vida de Sandra, que la actriz Léa Seydoux interpreta con una expresiva melancolía y dolor contenido. Hay una cadencia suave en todos los comportamientos, expresiones tranquilas, dentro del dramatismo de la situación. Se podría pensar que es irreal, ¿pero no puede afrontarse también así?

The quiet girl

 

Según la crítica, "The quiet girl" es una película a la medida de Catherine Clinch (Cait en la película), la actriz que a sus 13 años da vida a la protagonista del título y de la película. ¿Sería la película distinta sin Catherine Clinch?

Cait es una niña tímida, perceptiva e invisible dentro de su familia y en la escuela en la Irlanda rural de 1981. Su timidez natural y la incapacidad de sus padres para atender a su numerosa progenie son el epicentro de esta historia, y de ahí al despliegue de Cait de crisálida a mariposa cuando tiene que pasar unas vacaciones de verano con una familia lejana. 

Durante muchos minutos, no sé si demasiados o necesarios para que la cinta transmita todo su mensaje al espectador, todo transcurre de forma lenta, quizá porque lentos e imperceptibles son a veces los cambios importantes. Los últimos quince minutos dan sentido y realce al resultado del cambio y al final, pero la vida sigue...

La Irlanda rural y católica, su cara bondadosa y su cara falsa son escenario de vidas de lucha por la supervivencia, con el centro en la familia y en las relaciones de cercanía que vertebran las comunidades rurales. 

As Bestas

 

Hay veces en que vamos al cine y elegimos una película casi por casualidad. Otras veces se hace con intención, porque hemos leído o escuchado la crítica, por el director o por los intérpretes. 

"As Bestas" (Las Bestias en gallego) pertenece al género de películas que hay que ir a ver, porque no es solo una obra de arte, sino que tiene un trasfondo real que apunta a muchos de los dramas que hoy vive el mundo rural. La película, dirigida por Rodrigo Sorogoyen y guionizada por él mismo e Isabel Peña, tiene todos los atributos para ser una película que hará historia. 

As Bestas tiene un fuerte simbolismo, crudo y descarnado, que impregna todo el desarrollo de la película, donde se intercalan silencios rellenados de imágenes y tomas sugerentes con diálogos llenos de compasión, amor y violencia, que escenifican el conflicto de la vida en una pequeña aldea gallega (aunque en realidad se trata de Barjas, en el Bierzo leonés, en el límite entre Castilla y León y Galicia) entre una pareja francesa y dos hermanos de la aldea, en torno a la venta de sus tierras a una compañía energética. 

La trama se basa en hechos reales acontecidos en 2010 en Santoalla, donde un holandés fue muerto por sus vecinos por esta razón, aunque poca gente lo recuerda, salvo quizá los vecinos. Sorogoyen tiene la perspicacia de rescatarlos de la hemeroteca en un momento de alta sensibilidad en el conflicto entre la España vaciada y sin perspectivas y esa otra España que crece en las ciudades de aluvión como Madrid o Barcelona. Hay muchos pequeños pueblos en España donde sólo los que viven allí saben lo que ha pasado.

No son pocas las veces que la falta de perspectivas de futuro, al propio aburrimiento y la incultura alimenten la parte más animal de los sentimientos humanos y ello lo retrata de forma magistral la interpretación de los hermanos aldeanos en "As Bestas". Este sentimiento se retrata muy bien en el libro "La España vacía" de Sergio del Molino. 

Amsterdam

 

Tras ver "Amsterdam" el espectador puede preguntarse si ha asistido a una obra de arte o un esperpento fallido de un director ambicioso en sus objetivos. 

Amsterdam es la trama ficticio-real de la historia tres amigos que se conocen en la Primera Guerra Mundial y que sellan un pacto de amistad por siempre, que vuelven a reencontrarse en Estados Unidos en los años treinta como principales sospechosos de una muerte en medio de un complot para instalar un gobierno autoritario en Estados Unidos, en los albores de la toma del poder por parte de Hitler y Mussolini. 

El reparto de Amsterdam es estelar, con protagonistas principales como Christian Bale (el esquizofrénico doctor Berendsen), Margot Robbie (Valerie, la excéntrica enfermera que no cuenta su pasado), John David Washington (el ex combatiente y abogado negro Harold), y papeles secundarios con intérpretes de la talla de Anya Taylor-Joy (la estrella de Gambito de Dama), Taylor Swift (en el papel de Liz Meekens), Rami Malek (el Freddy Mercury de Bohemian Rapsody) o Robert de Niro (en el papel del íntegro general veterano Smedie Butler en la película) entre otros. Sus interpretaciones no desmerecen en esta comedia surrealista con fondo histórico, pero se convierten en marionetas en la representación del director David O. Rusell.

Porque la forma en que Rusell ha elegido contar su historia raya en la psicodelia, seguramente porque quiere una obra de arte de puesta en escena en lugar de contar una historia plana de una conspiración.

Y si se juzga por los brochazos de su pintura, a fe que consigue algo parecido a arte abstracto, con brochazos bellos como las interpretaciones extremas de los personajes, los planos de toma de la cámara, los colores sepia del cine sin color pleno, la trepidante acción sin sentido para el espectador en una parte de la película. En suma, Rusell ha contado con la mejor materia prima posible para dejar su impronta, y las próximas nominaciones de Oscars dirá si lo consigue o no. 

En los márgenes

Historias a trozos, con escenarios conocidos y denominadores comunes. Reivindicación frente a la injusticia es el hilo conductor de la película "En los márgenes", producida por Penélope Cruz junto con Alvaro Longoria, que también es la actriz principal junto con el siempre característico Luis Tosar y con una pequeña aparición de Juan Diego Botto, director del film. Los desahucios en los barrios periféricos en el sur de Madrid."En los márgenes" es sobre todo cine denuncia, y, por tanto, hay que preguntarse primero si el guión describe bien todo el problema o si responde al enfoque que sus productores buscan, y la respuesta es sencilla cuando terminas de ver la cinta.

También son historias de solidaridad, amor y familia, porque en este caso, la moneda tiene varias caras, que sin dejar de ser ciertas, forman parte del panorama con que los promotores de la película conectan con los espectadores. 

Podemos describirlo como realismo social, porque los desahucios se han convertido en parte de la vida del deseo sempiterno de ser propietario de una vivienda. Pero este realismo social no es toda la realidad. 

Los desahucios son posiblemente una de las partes más duras del sueño fallido de ser propietario de una vivienda. Cuando uno se despierta con la consciencia de que no se puede pagar la hipoteca o aún peor, cuando el aval al préstamo de un hijo expulsa a los padres de la casa pagada con los ahorros de toda una vida. Y cuando ya no queda ninguna solución a la que recurrir. 

Elvis

 

Todo parece estar dicho sobre una estrella como Elvis Presley y, sin embargo, pocos conocen, al menos fuera de Estados Unidos, la trama de este transformador que soliviantó a la burguesa y racista sociedad norteamericana de los años 60. Y con ello, proyectó una imagen más de las Vegas, de Hollywood y de la capacidad expansiva de la cultura estadounidense de impregnar el resto del mundo. "Roma no se hizo en una hora", y el mundo lleva siendo predio de Estados Unidos y de su influencia cultural desde la Segunda Guerra Mundial.

Seguramente Elvis es más conocido por sus logros (el rey del rock and roll) que por su interesante biografía, la forja de una leyenda que aún sigue viva. Por ello, ver esta película de Baz Luhrmann es una buena opción para recordar al mito Elvis, todavía vivo para la generación de los cincuenta y sesenta, y aún flota en las nuevas generaciones pese a la marea del tiempo.

Elvis fue un transgresor, rompió moldes y costumbres en la música-espectáculo con sus ritmos, mezcla de country y blues, con el contoneo erótico e impredecible de sus caderas, sus espasmos y su conexión con un público femenino no habituado a la electrizante y poco ambigua comunicación corporal durante sus performances. 

Para conseguirlo, Elvis recurrió a una autenticidad innegociable. Parecía como si físicamente estuviera impedido para cantar y actuar de forma convencional, ni siquiera para aceptar cambios graduales que sus managers le demandaban para romper menos con las buenas formas de la clasista sociedad de entonces. 

Costa Brava Líbano

"Costa Brava Líbano" es una película contemporánea que refleja la microhistoria de la vida de una familia en el contexto difícil en que se desarrolla la vida en países como Líbano.

Beirut, capital de Líbano, seguramente acoge el mayor porcentaje de inmigrantes comparado con cualquier ciudad en el mundo por su condición de país neutro que ha recibido inmigración siria y del la zona del cuerno de África. En tiempos fue llamada la "Suiza de Oriente Medio" por sus bosques de cedros y su nivel de vida. La guerra civil y la inmigración la han relegado a la situación actual. 

Pero esta película se desarrolla fuera de Beirut, y es la historia lenta de un matrimonio que huye de la masificación y la pérdida de contacto con la naturaleza para precisamente aislarse, como tantas personas hacen, viviendo en el campo y del campo. Una opción que tiene implicaciones de desconexión social que las personas eligen frente a las ventajas de una vida más solitaria. 

La vida de la familia transcurre en armonía relativa hasta que les instalan un vertedero de basura frente a su casa. La acumulación de basura en las ciudades es uno de los problemas de la concentración urbana y el reciclaje se convierte en una prioridad no sólo económica y sanitaria, sino que es imprescidible para luchar contra el cambio climático. 

Alcarrás

 

"Alcarrás" es un pequeño pueblo de la provincia de Lleida (Lérida) y es el nombre de la película de la directora Carla Simón, ganador del Oso de Oro del Festival de Cine de Berlín (Bienale). 

Alcarrás define bien la película porque su campo y la vida en el pueblo definen la trama de esta historia anónima de personas normales que ven como cambia su modo de vida como consecuencia de lo que se llama progreso y de las dificultades para vivir del campo en las pequeñas explotaciones familiares en España.

La trama de la película es tan plana que las casi dos horas de película se hacen algo largas, pero encuentran compensación al final, porque la cotidianeidad y los roces de la vida en familia te hacen introducirte en la historia sin que tengan  que ocurrir hechos excepcionales. Alcarrás dice más lo que cuenta, Esperando un desenlace en cualquier momento, se admite entonces que su trama es el devenir de la vida y del cambio, y que cómo afrontarlo. 

Alcarrás se realiza con actores anónimos, desconocidos, seleccionados en un casting en la zona. Personas que quizá no vuelvan nunca a la pantalla. Personas que interpretan su vida, no la vida de otros. Ello acerca la película al espectador. 

En la trama de Alcarrás pasa mucho aunque parece que no pasa nada. Habla de los derechos de propiedad y de cómo los apretones de manos ya no valen frente a los contratos, de esas generaciones que tienen una edad en la que cambiar de trabajo ya no es fácil, siendo el principal obstáculo la actitud frente al cambio, o el amor a lo que siempre hemos hecho. Esto sucede mucho en la vida en el campo, donde la comunicación con la naturaleza y con el silencio es especial.

El triunfo

 

Esperar sin esperanza es la gran condena a la que se enfrentan muchas personas encarceladas. Libertad privada por sus delitos, con muchos años por delante, mientras sigue la vida. Otras personas también están fuera,  viviendo el día a día, esperando que cambie la suerte, unos con más ahínco que otros, unos sin conseguirlo, otros sí. Y a veces, llegan las oportunidades, se alían con la suerte y cuando se aprovechan, decimos que hemos triunfado. 

Esta es la trama de la película "El triunfo", una comedia francesa del director Emmanuel Courcol, magistralmente interpretada por el expresivo actor Kad Merad, también actor principal en Bienvenidos al Norte. Etienne (Kad) es un actor fracasado en la vida que dirige un taller de teatro en un centro penitenciario en Francia. Con la colaboración de la directora, consigue que un grupo de presidiarios interprete la obra de Samuel Beckett, "Esperando a Gadot". Beckett es un dramaturgo que ha expresado en sus obras el absurdo en la vida, y la obra es la historia de dos personas que espera a alguien que nunca llega.

Courcol elige a una interpretación cómica y simpática del director del grupo de teatro y de los presos que conecta al espectador con los personajes, evitando juzgarles y concentrando la atención en la preparación del rodaje de la obra de teatro y en el éxito creciente que va alcanzando su puesta en escena.

Belfast

 

“Belfast” es una representación tragicomédica de los enfrentamientos políticos entre católicos y protestantes en Irlanda del Norte en 1969, lo que se considera el comienzo oficial del conflicto político que hoy continúa. 

Los sucesos más violentos tuvieron lugar en verano de 1969, con intervención de las Fuerzas Armadas, no sólo de la policía británica, y marcan el comienzo de la actividad terrorista del IRA hasta su disposición de las armas en 2005.

“Belfast”, en blanco y negro, recuerda mucho a cintas como “La vida es bella”, la vida de los campos de concentración desde la mirada inocente de un niño a través del filtro positivista de su padre, y el salto de la cartelera recuerda a “Billy Elliot”, la historia de un niño salido de los barrios mineros de la Inglaterra de la época Thatcher. Porque “Belfast” es la película semi autobiográfica de su director y productor Kenneth Branagh, aclamado autor, director de cine y actor británico, desde la perspectiva de los que lo vivieron y se fueron, emigraron hacia una vida huyendo del enfrentamiento. Porque como se dice en la película, ésta es un homenaje a “los que se fueron, a los que se quedaron y a los que perdimos”. 

“Belfast” está relatada desde la mirada curiosa y optimista de un niño que crece en una familia que él ve como ideal, con sus problemas y tribulaciones, que cree en la convivencia entre protestantes y religiosos. “Se puede ser protestante y respetar a quienes no piensan o actúan como tales”. Es el mensaje de tolerancia y conciliación que transmite la película, frente al odio que los estrategas políticos del enfrentamiento tratan de inculcar en los más jóvenes. En el peligroso coctel de la política y la religión, los políticos con un fondo más nihilista han usado las creencias y la fe como arma de guerra para conseguir sus objetivos de dominación.