Nuremberg

 

El juicio de Nuremberg marcó un antes y un después: por primera vez, el mundo decidió que ciertos crímenes no podían quedar encerrados entre las fronteras de un Estado, ni ocultos tras la coartada de la soberanía nacional. Hasta entonces, sólo los países juzgaban a sus propios ciudadanos; después de Nuremberg, los crímenes de lesa humanidad quedaron grabados como delitos contra todos, cometidos sobre territorios y poblaciones que ya no eran sólo “de alguien”, sino de la Humanidad completa.

Por eso los jerarcas nazis se convirtieron en los primeros criminales en sentarse formalmente ante un tribunal internacional, mientras otras figuras históricas –como el rey Leopoldo II de Bélgica, nunca juzgado por el genocidio en el Congo que trató como propiedad privada– quedaban en un inquietante contraste que la película deja resonar en silencio. La cámara en este caso nos recuerda que el Derecho llega tarde y a veces elige a quién alcanza.

En ese escenario, Hermann Göring aparece como el gran acusado: el número dos de facto del régimen, obligado a responder por el patrimonio de horror que Hitler, Himmler y Goebbels habían evitado confrontar tras sus suicidios en el búnker. Ni su astucia, ni su carisma sombrío, ni su dominio de la palabra le bastan para esquivar la condena a muerte que el tribunal dicta sobre él y sobre buena parte de la cúpula nazi, con penas que van desde la horca hasta la cadena perpetua.

La película subraya con detalle algo que también fue crucial en el proceso real: la necesidad de que el juicio fuera visto como legítimo, no como una simple venganza de los vencedores. Los jueces de Estados Unidos, la Unión Soviética, Francia y el Reino Unido actúan con la sombra del Tratado de Versalles sobre los hombros: saben que la humillación y las reparaciones desproporcionadas alimentaron la crisis económica, la inflación y el resentimiento que alumbraron el Tercer Reich y, con él, el genocidio judío y la Segunda Guerra Mundial.

Small Things Like These

 

¿Cuál es la decisión correcta? ¿Cómo queremos vivir nuestra vida? Es la cuestión que se plantea Bill Furlong en esta cinta, basada en hechos reales, ambientada en una pequeña comunidad de Irlanda en los años ochenta del siglo pasado. 

Small Things Like These, adaptación al cine de la novela de Claire Keegan, magistralmente interpretada por Cillian Murphy (Bill Furlong) y por Enma Watson (Hermana Mary), escenifica la vida en un pequeño pueblo donde la normalidad convive con el desasosiego aceptado y silente que producen las "Lavanderías de la Magdalena", centros de recogida de mujeres jóvenes repudiadas por sus familias o madres solteras sin posibilidades de salir adelante. Estos centros, controlados por la iglesia católica, existieron en Irlanda desde 1920 hasta los años noventa y fueron objeto de críticas por las duras condiciones que imponían a las acogidas y denuncias de tráfico de niños hacia familias pudientes (centros similares existieron mucho antes en Granada con las Recogidas, desde el siglo XVI, con el nombre de Beaterio de Santa María Egipcíaca).

El propio Bill, hijo de madre soltera, acogido por una familia con posibilidades económicas durante su niñez, sigue en su adultez, casado y padre de cinco hijas, asistiendo al mismo panorama cuando encuentra a una recluida que quiere escapar. Bill tendrá que tomar su propia decisión, 

Es una decisión de valentía o aceptación, de sumirse en la cobardía generalizada. Pero Bill sabe que sobre todo, uno convive primero consigo mismo, y después con el resto. Todavía más cuando la historia propia le ha hecho espectador de vivencias que ahora otros representan frente a él. 

13 días, 13 noches

Aquí llega una superproducción político-bélica que nos recuerda que la capacidad de hacer este gran cine no está sólo al alcance del país de las barras y las estrellas. 

El director Martin Bouboulon y el actor también francés Roschdy Zem consiguen hacer de esta cinta un testimonio gráfico palpitante de la tensión producto del abandono sin planificación por Estados Unidos de Afganistán, en este caso centrado en la evacuación de la misión francesa, la última en dejar el país que ocuparán los talibanes, en el poder en agosto de 2021. 

Es una cinta de tensión más que de acción, sin faltarle esta última, y ello contribuye a su diferenciación con otras películas menores de guerra. La película engancha de principio a fin. Basada en la novela testimonial del comandante de la policía nacional francesa y responsable de la seguridad de la embajada en Kabul Mohamed Bida, éste se convierte en el centro de la película por su ejercicio como héroe contemporáneo, por su elección entre las órdenes recibidas y el deber moral y su experiencia. Al final, cada persona convive más tiempo con la propia conciencia que con ninguna otra persona en la vida. 

La película plantea debates sobre justicia, la solidaridad o el abandono, y a ellos no son ajenos las interpretaciones de la traductora (la franco-argelina Lyna Khoudri), hay que comprender la valentía de una mujer mediando entre talibanes y un francés, con los ojos bajados; o de la periodista (la danesa Sidse Babett Knudsen), que se debate entre la retransmisión fiel de lo que ve y la protección de los que ayuda a huir. La película fuerza las costuras de la condición humana como suele suceder en las guerras. De nuestro comportamiento en ellas (más que desde el sillón) emerge nuestra auténtica forma de ser humanos.  Somos porque hacemos.

Anora

 

El cine independiente ha demostrado, una vez más, que no necesita de presupuestos millonarios ni grandes campañas publicitarias para trascender. "Anora", galardonada con cinco premios Oscar, emerge como un testimonio de la fuerza del cine cuando se apoya en una narrativa sólida, personajes tridimensionales y una ejecución cinematográfica impecable. Sin embargo, no deja de sorprender que una propuesta de este tipo haya sido tan ampliamente reconocida por la Academia, lo que ha generado debates sobre si su éxito responde más a una estrategia de la industria que a su mérito artístico intrínseco.

La premisa, en apariencia sencilla, se inscribe en una tradición narrativa clásica: la transformación de una mujer en un entorno hostil, evocando el mito de Cenicienta. Sin embargo, la película desafía las expectativas al abordar el tema con una mirada moderna, anclada en la realidad social actual y desprovista de romanticismos ingenuos. La estructura tripartita del filme, claramente diferenciada en planteamiento, nudo y desenlace, permite una evolución progresiva y matizada de los personajes. En la primera parte, se nos sumerge en el mundo de las trabajadoras sexuales y los estigmas que las rodean, un retrato crudo pero nunca explotador. Luego, la narrativa da un giro inesperado al introducir elementos de comedia, un recurso que, lejos de trivializar el drama, aporta una dimensión más humana y accesible a los conflictos. Sin embargo, puede pensarse que este cambio tonal resulta algo abrupto y resta cohesión al desarrollo narrativo. Finalmente, el desenlace se aleja del cuento de hadas tradicional para ofrecernos un final agridulce, donde la protagonista, tras el desencanto, encuentra un atisbo de empatía y una renovada conciencia de su realidad, aunque algunos espectadores han manifestado que la conclusión carece de la contundencia emocional que prometía el planteamiento inicial.

El director maneja con destreza los cambios de tono, evitando la estridencia y logrando una película que transita entre el drama, la comedia y el romance con una fluidez que rara vez se ve en el cine contemporáneo. La química entre los protagonistas es tangible, con interpretaciones que trascienden los arquetipos para convertirse en personajes palpables y complejos. Destaca, en particular, la dinámica entre el joven adinerado y la trabajadora sexual, un juego de poder y vulnerabilidad que desafía convenciones y expectativas, aunque algunos han argumentado que la evolución de los personajes, especialmente la del protagonista masculino, resulta predecible y poco arriesgada.

El cónclave

 

La elección de nuevos papas en la Iglesia Católica es posiblemente uno de los procesos más secretistas y arcanos que se mantiene a lo largo de los siglos. Tiene lugar en la Capilla Sixtina, bajo las pinturas religiosas de Miguel Ángel, y se supone que Dios, a través del Espíritu Santo, inspira el voto a través de los cardenales, y el resultado se comunica al mundo a través de la “fumata blanca”. 

La película “El cónclave” analiza la elección papal en una clave más mundana: las luchas por el poder no están ausentes en la institución eclesiástica, ya que no en vano se autodenomina “la obra de Dios en  tierra habitada por humanos”.

La trama de “El cónclave” parte de la muerte de un papa y un proceso de elección en el siglo actual, marcado por el cambio acelerado que afecta a todas las estructuras sociales, donde la percepción sobre la Iglesia Católica está impactada por la dificultad de dar respuestas efectivas a cuestiones como la política internacional, la desigualdad, el papel de la mujer, el divorcio o la modernización de sus estructuras de gestión. En este marco, la Iglesia Católica mantiene  prácticas y tradiciones que muchos consideran anacrónicas, pero que, precisamente por ello, suponen un anclaje profundo en el pensamiento de millones de personas, y también de atracción en nuevos países con falta de referentes.

La película representa bien las distintas caras del poder que hoy reconocemos en la sociedad civil: el conservadurismo y la vuelta a la tradición ante el vértigo del cambio; el progresismo y apertura a los nuevos vientos sociales; la corrupción en la compra de afectos; el papel creciente de los países más atrasados donde el número de adhesiones crece más que en los países históricamente católicos. 

Las vidas de Sing Sing

Sing Sing es un centro penitenciario de alta seguridad en Estados Unidos. La reclusión penal como metáfora de la exclusión impregna la vida entre las paredes de una cárcel, que encierra el cuerpo y menos reconocidamente, el alma. Cuando el sistema libera el cuerpo, pero no consigue liberar el alma, solo conseguimos libertad condicional. 

¿Qué vida es posible en una cárcel? El continuo recuerdo de la vida pasada, el desgarro de los errores cometidos, el sufrimiento de la pena impuesta, y de la redención a través del alma. El cuerpo puede que retorne a la libertad, pero ¿dónde ha quedado el alma?

La vida en el interior de la cárcel, la monotonía de la rutina, si solo busca la redención a través de la pena, despedaza las intenciones de redención, o las mata antes de que emerjan. 

Los programas de reinserción desde el interior de la cárcel son más efectivos cuando se rompen las fronteras del alma, del comportamiento profundo que lleva a los que delinquen a las cárceles con barrotes de hierro, alambradas y guardias armados. Nuestra alma es la cárcel más profunda, o nuestra libertad más ansiada. 

La redención del alma a través de un programa de redención a través del teatro (programa RTA, Redention Through Arts) es una innovación penitenciaria. Los ejercicios de introspección y de expresión artística son la inspiración, la retención y la expulsión del aire contaminado que impregna el alma encarcelada.

Cuado cae el otoño

 

Una obra maestra más del cine francés sobre una historia muy humana. Todos tenemos nuestro pasado y cuando lo contamos es probable que quien nos escuche piense en el suyo propio. Pasados con aciertos y errores, a fin de cuentas, elecciones de vida, que vamos superando con la ayuda, o a veces no, de quienes nos rodean. 

"Cuando cae el otoño" es la historia de dos jubiladas en un pequeño pueblo de la Borgoña francesa, al cual se retiran tras haber vivido y trabajando en París como prostitutas. Cómo afrontan la vida en lo que les queda, cómo sus descendientes y amigos afrontan la suya sin poderse desprender del todo del pasado para vivir una vida propia.

Porque aunque la película tiene un guión por el que ha sido premiado en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, el trasfondo de la misma no está en la resolución del caso con la tensión narrativa de la película, lenta y evocadora, con escenas de intimidad, en un pequeño pueblo francés en mitad de la campiña otoñal. La trama se desarrolla por diseño del director a través de elipsis, medias frases y escenas que crean equívocos sobre la verdad de lo que transcurre en la historia. Este "desarrollo abierto" es una atractiva forma de implicar al espectador, y cada uno interpreta donde está (o si debe existir) la culpa. No hay mayor riqueza que el desacuerdo de puntos de vista. 

Los juicios morales que hacemos de las personas son el cordón umbilical del trasfondo de la película. Un juicio implica decir o pensar sobre otra persona en lo que te gusta o no, lo que está bien o no, de acuerdo con un canon moral (la justicia es sobre todo un juego de reglas morales transformado en leyes, con un sistema de garantías y procedimientos). El amor es lo contrario: es aceptación por encima del juicio.

Jurado número 2

¿Podemos vivir con una verdad que nos atenaza de por vida?

Es el trasfondo de esta nueva estupenda película de Clint Eastwood, todo rezuma soledad interior en el protagonista, un joven que se ve involucrado en un accidente fortuito que causa la muerte a una persona y por la cual se juzga a otra al que todas las evidencias iniciales señalan como culpable. 

El protagonista, ex adicto al alcohol que rehace su vida y que acaricia la felicidad familiar y se siente querido socialmente, siente que su vida se quiebra porque puede perderlo todo si la verdad se conoce. 

¿Puede alguien imaginar una vida donde alguien sabe que una persona murió por su causa, aunque sea fortuita, y otra persona es condenada a cadena perpetua sin ser culpable? Donde ese terrible secreto te acompañará toda tu vida, donde si alguien lo sabe, es posible que tampoco quiera desenmascararlo.

La película "El jurado número 2" es un eco de la mítica cinta “12 hombres sin piedad” (1957), y en esta ocasión Eastwood vuelve a recordar, a través del miembro del jurado que duda de la casi unánime sentencia del tribunal popular, las palabras de Henry Fonda: “estamos hablando de condenar a un hombre, al menos deberíamos hablar de ello un poco más antes de votar”. 

La película "El jurado número 2" va incluso más allá de una reescenificación de la película previa, y plantea una compleja psicología llena de dilemas morales tradicionales y también modernos. Por ejemplo, el conflicto de intereses de la fiscal, la aceptación de insuficiente aportación de pruebas en la construcción del caso, la supuesta veleidad de los jurados populares para examinar casos con suficiente profundidad, la debilidad en ocasiones de los abogados de oficio. 

Sobre todo hay uno que resalta en mi opinión: la tendencia humana a opinar usando el sesgo de confirmación, nuestra inclinación a juzgar rápidamente algo donde todas las evidencias que se aportan apuntan en una misma línea. Por eso es necesario pensar antes: ¿estamos dudando lo suficiente de lo que nos cuentan como para estar convenidos personalmente de que ocurrió de esa forma? 

Back to black

Es imprescindible adentrarse en la vida y obra de Amy Winehouse (1983-2011), referente de la música del siglo XXI. Nos encontramos ante otra biografía de un icono cultural cuyo legado ha dejado una profunda huella en el mundo de la música. Otra más con un final dramático.

Amy Winehouse, proveniente de una familia judía trabajadora, mostraba desde la adolescencia problemas con el alcohol y se rodeaba de personas con adicciones. Amy era una persona vulnerable, cuyo principal y único factor de protección parecía ser su abuela, la única que la entendía completamente. Curiosamente, siendo de una familia judía y trabajadora, Amy se relacionó con personajes de una esfera social diferente. Esta relación no se comprende del todo en el contexto de su vida.

El papel del padre en la vida de Amy es ambiguo. Parece que no la apoyó lo suficiente y que, ante los trastornos mentales de su hija, como el TCA (trastorno de la conducta alimentaria) y sus adicciones, ambos padres miraron hacia otro lado. ¿Podemos culparles? Esta es una reacción común entre los padres que no saben cómo enfrentar estas situaciones. En contraste, la abuela detectó el problema desde el principio. La película parece estar contada desde la perspectiva de la familia, quizás desde el punto de vista del padre, lo que deja a la madre en un segundo plano. Esto plantea la cuestión de si la biografía es completamente imparcial.

Hispanoamérica

 

¿Latinoamérica o Hispanoamérica? Podría ser la pregunta en tono tímido de un español cuando se dirige a un nacido en cualquier país de Centroamérica o del llamado Cono Sur. 

Nótese que en el orden de la pregunta ya hay implícito un sentimiento de secundariedad, como si fuera más lógico el origen latino del término que el hispano. 

Y si bien es cierto que lo hispano pudo ser previamente de origen latino, no lo es menos que la vertebración hispana no existía en la época latina o de dominación romana. España fue tierra de paso de muchos pueblos: fenicios, cartagineses, romanos, godos y musulmanes, entre otros grupos menores, hasta que se asentó el concepto hispano-español como consecuencia de la unificación de los reinos de Castilla y Aragón y la expulsión de los musulmanes. La antigua provincia romana Hispania, distinta de Lusitania, se convierte en España partiendo del germen dejado por los Reyes Católicos y sus sucesores. 

Por ello, la película documental "Hispanoamérica" es toda una lección histórica de la importancia del legado y la acción de los españoles durante los tres siglos que duró el imperio español en las denominadas provincias de América. Como se explica, hay poco legado latino, francés o italiano, en la cultura de esos tres siglos. Y por supuesto, no hay nada anglosajón, inglés o estadounidense, salvo a partir de la guerra la independencia de los Estados Unidos, en la recuperación de los territorios de California, Florida, Luisiana, en su momento descubiertos por españoles, después parcialmente propiedad de México y finalmente incorporados a Estados Unidos. 

Pequeñas cartas indiscretas

 

La buena y la mala. Dos personajes que van mutando a lo largo de esta pequeña historia en la costa de Littlehampton, en el sur de la Inglaterra post victoriana de 1920. 

Una tragicomedia con tintes de medio thriller es lo que vemos en Pequeñas cartas indiscretas, una lograda producción anglo francesa de la directora irlandesa Thea Sharrock con Olivia Colman (Edith Swan) y la Jessie Buckley (Rose Gooding) en los papeles centrales. 

La película recrea una poco creíble, pero divertida historia de unas cartas anónimas, soeces e insultantes, dirigidas hacia la hija solterona de un matrimonio que ya perdió nueve de sus diez hijos. El padre, un padre tirano costumbrista a la antigua usanza, conservador hasta el extremo, desprovisto de cualquier muestra de afecto y cariño. La madre, una sufridora en vida anónima en la relación familiar. Las cartas, una página en cada ocasión llena de improperios e insultos, acaban llegando a cada vez más personas del pueblo, alterando la concordia del ambiente de la comunidad. 

El escándalo crece hasta llegar a los noticieros de nivel casi nacional y los juicios previos se centran precisamente en los prejuicios. Aquella persona distinta, que se comporta de forma diferente, ha de ser la culpable. Y la sociedad, en general, condena a los que viven fuera de las convenciones. 

Anatomía de una caída

"Anatomía de una caída" ("Anatomie d´une chute"), es un thriller psicológico en torno a una muerte violenta, desenlace de una relación de una pareja con un hijo, el punto de no retorno. 

¿Cómo llegaron hasta aquí, qué pasó, y qué vida queda por delante?

Con guion de la también directora Justine Triet, la interpretación de Sandra Huller en el papel principal, "Anatomía de una caída" se ha presentado con las credenciales de una película de culto para cinéfilos y con varios galardones además de los puestos de cabeza de los dramas en pantalla de 2023. 

Si se ha leído "Anatomía de un instante" del escritor Javier Cercas, sobre la anatomía del momento histórico que fue la toma del congreso de los disputados español en 1982 por el coronel Tejero, Anatomía de una caída es una disección de una relación de pareja que termina en tragedia. Como muchas de las que hoy suceden y que inundan los medios de comunicación. Sin restarle mérito al interés de la película, muchos espectadores agradeceríamos también películas sobre anatomías de momentos históricos con la calidad que la directora lleva "Anatomía de un instante" a escena. 

Napoleón

 

Parece que poco, o mucho, se puede decir de Napoleón Bonaparte. Sin duda es un personaje conocido de la Historia de occidente, pero al mismo tiempo desconocido por muchos. Y a ello en buena parte contribuye la época turbulenta en que vivió y lo que Napoleón significó, justo tras la trascendental Revolución Francesa, el comienzo del declive de la monarquía absoluta, el inicio del pensamiento laico, la aparición de los estados como forma de organización política, el comienzo de la revolución de las ideas y de la democracia que hasta hoy hemos heredado en Occidente. 

Pero no es esto lo que vemos y aprendemos en la película "Napoleón", de Ridley Scott, quizá por dos razones: primera, porque no es posible en una cinta de poco más de dos horas; y segundo, porque Ridley Scott conoce los ingredientes del éxito comercial, a saber, contar una historia sobre un héroe, integrándolo con una historia de amor, guerra y acción típica de una superproducción. Véanse exactamente estas líneas en sus películas previas de "Gladiator" o "El reino de los cielos". 

Por ello, ver "Napoleón" es ir a ver la película que nos cuenta Ridley Scott, no es ver la historia de Napoleón en el contexto del momento histórico y la importancia de lo que supuso su persona para la Humanidad, ni por supuesto para Francia. No me imagino que muchos franceses estén satisfechos con la película, y la película sí puede abundar en la conocida capacidad de los ingleses de crear "leyendas negras".

No porque lo que se diga no sea verdad, sino porque no es toda la verdad y la historia hay que contarla con énfasis equilibrados. Pero hacer una película es un negocio, además de una forma de manipular, y no es una pretensión de contar la historia. Para un público mínimamente interesado, recomiendo ver la Wikipedia antes de ir a ver Napoleón y se constatará el abismo entre los hechos y el enfoque que ha dado Ridley Scott a su película "Napoleón".

Sonido de libertad

 

En pocas ocasiones la polémica en torno a una película es tan elevada como en "Sonido de libertad" ("Sound of Freedom"). 

Las informaciones sobre el contexto de su rodaje, las dificultades para su distribución y la supuesta involucración de élites no interesadas en su divulgación añaden un contexto aún más dramático a esta valiente película que trata, con toda la delicadeza posible, pero sin quitar ni un ápice a su trágica esencia, sobre las redes de esclavitud sexual infantil en el siglo XXI.

Sobrecogedora. Impresionante. Al mismo tiempo y pese a todo, preciosa. 

El rapto de niños en Latinoamérica, y el tráfico, como si de animales se tratara, para su uso por pedófilos con dinero y digámoslo claro, sin alma (que cada uno defina alma como prefiera). La pedofilia no es algo nuevo en la Historia, pero seguramente sí la escala a la que hoy existe. Medios como internet y redes profesionalizadas de traficantes (raptores, intermediarios, usuarios de ... niños), la desigualdad enorme en el planeta, las enfermedades mentales modernas (entre ellas una soledad sin precedentes o la asocialidad a una escala desconocida) seguramente elevan la pedofilia hoy a niveles nunca vistos antes. 

"Sound of Freedom" es una de las películas más crudas que denuncian esta explotación inhumana y la trama se centra en el caso real del ex agente de la NSA de EEUU, Tim Ballard, en la búsqueda de dos niños hondureños capturados por la mafia pedófila. Las cifras criminales son espeluznantes, pero la película le pone cara y nombres a la historia y el espectador casi literalmente entra en la pantalla. 

Vidas pasadas

 

"Vidas pasadas" ("Past lives") es la ópera prima de la escritora y directora de cine coreana-canadiense Celine Song. 

El que sea una película autobiográfica (Celine nació en Seúl y emigró con su familia a Canadá desde donde luego se trasladó a Nueva York para perseguir, y alcanzar, su sueño como dramaturga), no quita un ápice de interés, ni de legitimidad, a esta buena cinta que puede verse desde distintos ángulos. El corazón emocionado, por la ternura de la historia. Y también desde la mirada observadora, por los profundos mensajes y reflexiones que suscita "Vidas pasadas". 

¿Cuál es el hilo conductor de "Vidas pasadas"? Detrás de una historia romántica de dos jóvenes con una conexión especial que se separan por azares de la vida en la niñez, el reencuentro que hacen posibles las nuevas tecnologías, la propia limitación de las mismas para posibilitar vidas plenas, el devenir de la vida y el reencuentro cauterizador tras la ausencia de tantas palabras que no se dijeron y tantas cosas que no se hicieron. 

Detrás del devenir de la vida está el destino o in-yun en coreano (reencarnación o vidas pasadas). En la película se plasma la conexión y atracción entre dos personas que no obstante tienen ambiciones distintas. Además del azar, son también sus elecciones las que determinan su destino, por mucho que ambas parecen haber nacido la una para la otra. La vida es un proceso de elección y adaptación continuo y esta tierna historia nos habla de la inadaptación que trasciende más allá de lo visible. Nora (Greta Lee) sigue siendo profundamente coreana y así se siente cuando habla con Hae Sung (Teo Yoo). Este nunca pudo olvidarla desde que se fue de Corea con 10 años. Ambos están prisioneros, de alguna forma, de sus vidas pasadas, pero el destino les lleva por caminos distintos. 

La puesta en escena de esta relación se plasma en tres momentos, en la niñez compartida en Seúl, en el reencuentro digital a través de Skype en la veintena, y en la visita de Hae Sung a Nueva York para verla físicamente por primera vez en más de 20 años y conocer al esposo de Nora.  La puesta en escena es casi mágica, por la actuación de los protagonistas y por los tempos y silencios, que quizá son característicos de la cultura oriental. Los silencios, las miradas y las imágenes son tan elocuentes que sobran las palabras para hablar. 

Las dos caras de la justicia

 

"Las dos caras de la justicia" ("Je verrais toujours vos visages" en el idioma original) es la nueva y aclamada película que tanto la crítica como el público francés están saludando como una de las cintas más salientes del reciente cine francés. 

El tema central es sumamente atractivo y trascendente en la sociedad actual: la llamada justicia restaurativa, una forma de actuación extrajudicial que busca, en lo posible, una mayor comprensión entre víctimas y delincuentes, conocedores de los límites, y en muchos casos el fracaso, del sistema penal tradicional (medido como reinserción efectiva de los perpetradores). Además, el sistema penal no aborda un tema capital: la reparación y la superación del trauma de las víctimas, que en muchos casos no se cura por la pena del detenido, incluyendo la propia sanción económica, si procede, o el paso del tiempo. 

La justicia restaurativa es, por tanto, un paso en el desarrollo de una sociedad más madura más allá del "ojo por ojo, diente por diente".

La película está bien dirigida y guionada bajo la batuta de Jeanne Herry y cuenta con varios de los mejores actores del momento cinematográfico francés. 

Una vida no tan simple

"Una vida no tan simple", del director navarro Félix Viscarret, me resulta un afortunado título para una película que algún amigo me relató como una historia donde "no pasa nada fuera de la vida mundana y normal de miles de personas."

Y, sin embargo, puede que esté ahí el trasfondo del mensaje de "Una vida no tan simple". La de cada uno es nuestra complejidad, y en cualquier caso, con frecuencia la percibimos de forma distinta al espectador externo "porque se trata de nuestra vida y de nuestros problemas". Visto desde fuera se puede pensar otra cosa. 

"Una vida no tan simple" es una metáfora sobre la adaptación al cambio narrada a través de la vida de Isaías, un arquitecto frustrado de 40 años porque su vida profesional no ha ido por donde él esperaba cuando obtuvo un premio al talento joven al inicio de su carrera profesional. Isaías insiste en las mismas recetas de siempre, transmite esa sensación triunfalista y parece que con frecuencia ficticia de que "estamos hasta arriba de proyectos" en un mundo donde todo se sabe con facilidad. Como muchas otras profesiones, el mundo de la arquitectura tiene sus genios e iconos consagrados, y miles de arquitectos anónimos que saben que han de ir a remolque de los proyectos de otros. 

El protagonista cree que es más, se merece más de lo que obtiene. Pero no hace nada nuevo para cambiar su suerte. Es posible que sea una cualidad de las profesiones creativas, con alto componente individualista, donde el ego de la profesión dificulta más el autodiagnóstico personal. Es posible que en algunas carreras universitarias la definición de éxito se perciba como más binaria, y éxito o fracaso se encuentren como únicas opciones sin escala de grises.

 

Secaderos

"Secaderos" es la opera prima, la primera obra cinematográfica de la directora de cine Rocío Mesa. Como dato relevante, Rocío nació y creció en la vega granadina (Las Gabias) y marchó a través de una beca de estudios a Los Ángeles, donde hoy reside. Como ella dice, viene de una familia obrera sin grandes posibles económicos. "Secaderos", aunque no es una película autobiográfica, sí contiene muchos de sus sentimientos de juventud. Con esta película nos acerca a la vida, temores y esperanzas de los habitantes de la rural vega de Granada, que ven como su modelo de vida cambia para siempre. 

Muchos no sabrán que en los años 50 del siglo pasado el cultivo del tabaco negro, variedad Burley, era una de las más rentables ocupaciones de los minifundistas agricultores granadinos y que la vega reúne magníficas condiciones de clima y suelo para el tabaco, que normalmente se recoge a final de verano, cortando las matas que crecen verticales en el suelo, para colgarlas en naves aireadas con paredes de madera flotante o de ladrillo con muchos huecos. Una vez secado el tabaco colgado antes del invierno, se comprime y embala para su procesamiento y posterior conversión en cigarrillos. 

Las campañas antitabaco, la competencia de países agrícolas con menores costes, y la desaparición del tabaco negro han dejado a la vega granadina sin uno de sus cultivos más rentables, que además era fundamental para cientos de productores pequeños, y fuente de trabajo para miles de obreros del campo. Además, el trabajo es duro y desagradable, muy manual y sucio, sobre todo en calurosa época de la recolección y colgado del tabaco.

El hombre que conocía el infinito

 

"El hombre que conocía el infinito" es la historia del matemático indio Srinivasa Ramanujan (1887-1920), un matemático autodidacta, sin apenas formación académica, que revolucionó el honorable Trinity College de principios del siglo XX  cuando Inglaterra dominaba el mundo bajo el Imperio Británico.  

El Trinity College de Cambridge era entonces una de las instituciones más prestigiosas del saber matemático y acogió a prestigiosos talentos como GH Hardy, Littlewood o Bretrand Rusell.

El genio matemático natural de Ramanujan se expresa desde su niñez y uno de sus principales conflictos con su mentor Hardy fue precisamente la lucha entre la intuición matemática del indio y el rigor demostrativo del método de validación de las teorías que exigía la estricta disciplina de la comunidad matemática de británicos. GH Hardy en particular fue un investigador exigente dentro de las matemáticas puras y uno de los principales aportadores a la "teoría de números", en trabajos en solitario, con Littlewood o con Ramanujan. 

"El hombre que conocía el infinito" es una película profundamente hermosa y un testimonio gráfico que nos acerca a la breve y prolífica vida del matemático indio y a las dificultades de encaje de culturas tan distintas como la india y la británica, que tan bien esta última ha sido capaz de gestionar, manteniendo buenas relaciones con la Commonwealth, pese a la histórica expoliación que los británicos han realizado en estos territorios remotos. Es también prueba del aprecio que estos países, ahora ya potencias en el mundo en muchos casos (India, Canadá, Australia, República de Sudáfrica, entre otros), retienen por el valor aportado por la cultura británica en sus territorios. 

Una bonita mañana

 

"Una bonita mañana", un título luminoso para una película sobre una historia mundana, de personas normales en situaciones normales. Intrascendente porque no será recordada sino por la sensación de calma y sensibilidad mientras se visiona.

Sin embargo, la historia tiene poderosos mensajes que forman parte del día a día de muchas personas. ¿Cómo afrontar una viudedad en la flor de la vida? ¿Cómo prepararse para la pérdida de un ser querido? ¿Es el matrimonio para toda la vida, para una larga y cambiante vida? ¿Cómo irse de la vida sin ni siquiera despedirse, ni notarlo, sin darte cuenta de que se está perdiendo la propia identidad, lo que fuimos? 

Es posible que todas estas reflexiones no surjan si no hay una pugna de discusión sobre esta película. Y por ello no será una película recordada, pero sí es valiosa si se mira con los ojos apropiados. Es una historia de aceptación de la vida.

Sandra, la joven viuda con una hija de ocho años, es el epicentro de la historia. Su padre, antiguo profesor de filosofía, sufre un tipo de enfermedad neurodegenerativa (se dice que serán las más comunes ante la ampliación de la esperanza de vida que estamos experimentando, porque nuestro "cableado mental" no está diseñado para soportar tanto tiempo de vida), es parte del contexto de Sandra. Y Clement, antiguo amigo de Sandra, casado, que irrumpe en su vida aportando luz y sombra.

Un aspecto interesante es cómo heredamos lo que fue de nuestros padres. Todo el mundo piensa en dinero, piso o acciones. ¿Pero qué sucede con los bienes que fueron parte íntima de su vida, como por ejemplo los libros? ¿Cómo te desprendes de libros que fueron amados por tu padre o madre que se fue o se va a ir? 

La historia de "Una mañana bonita" está contada de forma casi feliz dentro de la dureza de la vida de Sandra, que la actriz Léa Seydoux interpreta con una expresiva melancolía y dolor contenido. Hay una cadencia suave en todos los comportamientos, expresiones tranquilas, dentro del dramatismo de la situación. Se podría pensar que es irreal, ¿pero no puede afrontarse también así?